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李小冉：从舞坛转身，演绎〈庆余年〉长公主的别样人生，畅享年岁中的自在与坚守

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在演艺圈这片星光璀璨却又充满变数的浩瀚星空中，李小冉宛如一颗独特且持久闪耀的恒星，以其随性洒脱的处世姿态、精湛多元的演技功底，以及对生活本真的执着追寻，勾勒出一幅别具韵味的人生画卷。尤其是在《庆余年》系列中饰演 “长公主” 李云睿一角，更是让她在演艺生涯的长河里留下浓墨重彩的一笔，成为观众津津乐道的话题焦点，而戏外的她，同样秉持着 “只求快乐” 的生活哲学，绽放着属于自己的独特魅力。

一、结缘《庆余年》：三度拒演后的倾心演绎
李小冉与《庆余年》中 “长公主” 这一角色的缘分，起初充满波折。她曾三度对出演 “长公主” 予以婉拒，究其缘由，竟是源于角色本身的 “坏”。在她眼中，李云睿恰似一个 “神经病”，性格乖张、心狠手辣，行径疯狂，这般极致负面的人设，让她心生顾虑。然而，在与编剧深入探讨后，编剧巧妙增设了长公主与女儿林婉儿的情感戏份，为角色增添了一抹人性的温情与纵深，李小冉这才应允接下角色。
这一决定，开启了她演艺生涯中一次极具挑战与突破的旅程。首次挑战反派角色的她，对 “长公主” 的诠释有着自己独到且深刻的见解。她深知，单纯塑造一个脸谱化、为坏而坏的恶人，难以凸显剧中正面角色的光芒与价值，更无法让观众产生情感共鸣与深度思考。于是，她立志要演绎出一个 “有血有肉” 的坏人，摒弃依靠外在妆容如夸张眼线来凸显黑化特质的浅显做法，转而凭借细腻入微的演技，深入挖掘角色内心复杂的情感纠葛、权力欲望以及母性温情的挣扎。从角色举手投足间的优雅仪态，到眼神中时而闪过的狠厉与疯狂，再到面对女儿时不经意流露出的慈爱与无奈，李小冉层层剖析、丝丝入扣地雕琢着 “长公主” 形象，使其鲜活地跃然荧屏之上，收获了观众与业内的一致好评，在自己的演艺履历中铭刻下一段辉煌篇章。
二、演艺轨迹：从舞院学子到个性演员的蜕变
回顾李小冉的艺术起点，她毕业于北京舞蹈学院，可踏上舞蹈之路，起初竟是源于母亲的 “逼迫”。她坦言，年少时对舞蹈始终 “力不从心”，那种按部就班、严苛训练的舞蹈学习模式，并未点燃她内心深处的热爱之火。于是，在 20 岁的青春节点，她毅然决然地转行投身演艺界，开启演员生涯，而彼时的她，对演戏更多抱持着 “玩” 的心态，并非怀揣着宏大炽热的初心与抱负。
一路走来，她参演了诸多经典剧目，从《像雾像雨又像风》中展现出青涩纯真与倔强个性，到《大丈夫》里诠释复杂情感纠葛下的女性坚韧，再到《庆余年》里刻画心狠手辣又深情的长公主，以及《三体》中挑战科幻题材下独特角色塑造，她不断拓宽戏路，演绎百态人生。尽管过往常被外界感慨 “戏红人不红”，但她对此颇为淡然，坚守着自己接戏的原则 —— 全凭喜好。她不喜过度营业宣传，只愿沉浸于演戏本身，在角色塑造过程中，体悟人间百态，并将这些感悟巧妙融入表演之中，让角色更加立体丰满。在《今生有你》里，她潜心钻研如何精准演绎一位在繁华都市努力生活的单亲妈妈，深挖角色内心的酸甜苦辣；于《庆余年》中，在长公主疯狂乖张表象背后，细腻呈现其作为母亲的柔软与无奈，真正践行着 “演戏是痛并快乐着” 的艺术坚守，且始终保持着戏里戏外的自我独立性，角色虽精彩，却不裹挟她真实的生活，生活中的她，依旧是那个随性自在的李小冉。

三、爱情归宿：岁月沉淀下的信任与陪伴
在爱情的漫漫征途上，李小冉历经波折，饱尝两段感情挫折的苦涩，却始终未曾放弃对真爱的寻觅与期许。最终，她与相识 16 年的制作人陈佳宁携手步入婚姻殿堂，这段感情没有偶像剧式的一见钟情、惊天动地，而是在岁月悄然流淌中，生根发芽、枝繁叶茂。
最初，因拍戏饰演情侣，两人在开拍前有了相识契机，初次见面便是一场饭局，彼时李小冉 “大快朵颐” 的模样，给陈佳宁留下深刻印象。而李小冉对陈佳宁，也有着一种莫名的熟悉感，仿若命中注定般，两人自此开启了漫长的友谊之旅。在李小冉人生低潮期，陈佳宁始终以朋友身份默默陪伴、悉心守护，给予她温暖与支持，这份情谊在时光发酵下，逐渐升华为深厚爱情。最终，他们在布鲁塞尔举办婚礼，许下相伴一生的承诺。李小冉感慨，年轻时向往世界之大、自由闯荡，而如今，有了这份牵挂与陪伴，更觉岁月静好、满心欢喜，她深知，这份感情基石在于信任，是彼此信任支撑着这段婚姻稳固前行。
四、婚姻之道：自信为基，自我先行
谈及稳固婚姻的秘诀，李小冉有着清醒且独到的见解。她坚信 “相信自己，感情是第二，第一是自己”，在她看来，女性的魅力根源在于自信，而自信并非凭空而生，需依托于拥有独立的工作、事业，拥有专属自己的快乐源泉与追求目标。只有这样，女性方能在婚姻中保持独立人格，不依赖、不盲从，以平等姿态与伴侣携手前行。
李小冉自身便是这般践行，她从不屑于扮演依赖他人、撒娇卖萌的角色，生活中亦是独立自主，直言讨厌被贴上 “不老女神” 这类看似光鲜却束缚自由的标签，她强调自己只是演员，角色的美丑、老幼皆是为剧情服务，不应被外在评判框定。她抨击当下弥漫的年龄焦虑，认为强令所有人永保青春，是违背自然生命循环规律、极为无聊的行径，女人在每个年龄阶段都有独特风景与感悟，只需遵循内心、追寻快乐便好。
五、养生日常：美食与养颜两不误

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Nova》、2020年的《SOFT STORM》，一张比一张成熟，最终在2021年以《SOFT STORM》拿下第32届金曲奖最佳乐团，并陆续登上Coachella、Fuji Rock等国际音乐节，成為台湾独立音乐「国际化」的代表乐团之一。 [图片] 图2：落日飞车团员，五人编制带来丰富的编织感（资料图） HYUKOH，2014年成立於首尔弘大，由主唱吴赫、吉他手林贤帝、贝斯手任童健、鼓手李仁雨四人组成。吴赫的成长背景很特别——他出生於韩国，五个月大就随父母到中国，在延吉、北京等城市长大，直到高中才回到韩国。这段经歷让他的音乐带有一种超越国界的气质：歌词中英文夹杂、旋律裡有英式摇滚的鬆弛、R&B的温暖，还有一点亚洲都市的曖昧。 HYUKOH在韩国的窜红速度几乎是传奇等级。2014年以EP《20》出道，靠著口碑慢慢累积听眾；2015年因為参加MBC综艺节目《无限挑战》的「岭东高速公路歌谣祭」，与郑亨敦组成「远京少年」组合，一夜之间成為国民乐团。此后他们不断突破：2017年的正规专辑《23》全程在柏林录音，裡面那首全中文的〈Wanli万里〉，八句简单大气的中文歌词搭配蒙古草原的MV，至今仍是许多华语乐迷认识HYUKOH的入口。2020年的《through love》则进一步实验Bossa Nova、电子与世界音乐的融合。 两个乐团的渊源比多数人想像的更早。2020年，落日飞车曾经為HYUKOH的〈Help〉製作过Remake版本，收录在《through love REMIX》EP中；同一年，吴赫也客串了落日飞车的歌曲〈Candlelight〉。那时候两团只是「互相欣赏的朋友」，谁也没想到几年后他们会走进同一个录音室，做出一张完整的合作专辑。 02 加平写歌营：一场十人编制的即兴实验 2023年5月，两团在首尔再度相聚。这一次，他们决定做一件更大胆的事——一起写歌。 地点选在京畿道加平郡的Music Village 1939，一个远离都市喧嚣的音乐创作营。十个人挤在同一个空间裡，没有预设歌单、没有明确分工，就是把乐器拿出来，开始即兴。第一首冒出来的歌，就是后来成為专辑开场曲的〈Kite War〉。 关於这首歌的诞生，国国后来在访谈中回忆：「我们即兴了大概五分鐘，我立刻就知道，这首歌可以完成。」〈Kite War〉的编曲大部分只由两个和弦构成，带著一种老派、朴实的氛围——它不像一首「精心设计的流行歌」，更像两个乐团在彼此试探时，自然而然流淌出来的声音。这种「不设防」的状态，后来成為整张《AAA》的基调。 但写歌营只是起点。接下来的一年，两团并非天天腻在一起，而是採取了「远端交换档案」的方式：有人在首尔丢一个demo过去，台北那边加一点东西，再传回来；有时候他们跑到朋友家裡，那个人堆了满屋的合成器，国国和吴赫就在那裡jam出了〈Antenna〉的编曲。就像国国说的：「我们有四首歌是在加平的jam session裡做出来的，另外八首是透过网路交换档案完成的——方法很多样。」 十个人一起做专辑，最大的挑战是什麼？不是编曲，不是乐器，而是歌词。 「我们都喜欢一层一层叠声音的做法，人越多，能推的层次就越远。」国国解释，「但问题是，我们写demo的时候，通常会随口哼一些没有意义的音节，然后就对那些声音產生了感情。等到要写正式歌词的时候就很头痛——你得找到意思对、而且原本那个旋律flow也对的词。」 这也是為什麼《AAA》的歌词语言很特别：英文、中文、韩文交织，有时候甚至很「鬆」，不是那种一针见血的歌词，而是留出很多空间让听者自己填进去。比如唯一一首全中文填词的〈Antenna〉，吴赫和国国的诗作风格其实很像——都不会把意思说死，而是用模糊的意象，让每个人听出自己的故事。 03 逐曲拆解：《AAA》八首歌的创作密码 《AAA》一共八首歌，每一首都像一块拼图，各自承载著两团碰撞的不同面向。以下是逐曲解析： 〈Kite War〉——一切的起点 作為专辑开场，〈Kite War〉的意义不在於「最好听」，而在於它是整个合作计画的催化剂。两个和弦、五分鐘的即兴，就这样把十个人拉到了同一条船上。它的听感非常放鬆，甚至有点懒洋洋——就像刚认识的朋友，在午后的阳光下随便弹弹吉他，没有压力，也没有目的。 〈Y〉——两种声音的第一次正式对话 如果说〈Kite War〉是「试探」，〈Y〉就是「正式开始对话」。这首歌裡你可以明显听到HYUKOH的节奏感与落日飞车的旋律感如何交织在一起——吴赫的声音带著一点沙哑的质地，国国的声音则温暖而慵懒，两种声线并排的时候，不谁抢谁，而是像两条河交汇。 〈Antenna〉——唯一的中文歌，也是最诗意的一首 〈Antenna〉是整张专辑唯一一首全中文填词的歌曲，也是后来拿下第36届金曲奖最佳MV的作品。它的歌词围绕著「接收讯号」「宇宙」「遥远的呼唤」展开：从月亮、从天空、从某个未知的地方，我们不断发射和接收著细微的电波。 这首歌的MV由导演rafhoo执导，更邀请到许光汉与竇靖童主演，讲述一段关於「连结」与「疏离」的故事。柔软的人声、梦幻的旋律序列，把语言的界线整个融化掉——即使你听不懂中文，也能感受到那种遥远的、电波一般的悸动。 〈Glue〉——专辑主打，自然裡的爱 〈Glue〉是这张专辑的主打歌。精巧转折的和弦行进，配上简单浪漫的歌词，形成一种奇妙的对比——音乐很「讲究」，歌词却很直接。MV导演DQM為了这首歌，特别飞到柬埔寨拍摄，画面裡是经年累月互相缠绕生长的树木——那种「自然裡蕴含的爱」，就是「Glue」这个歌名的由来：把两个东西黏在一起的，有时候不是胶水，而是时间。 〈Young Man〉——对青春的告别与对未来的焦虑 〈Young Man〉是专辑的先行单曲，也是情绪最复杂的一首。它的旋律明亮、乐观，听起来像一首朝气蓬勃的青春进行曲；但歌词却在讲「活下去」「挣扎」「对未来的不确定」「告别年轻」。 这种「音乐很开心、歌词很悲伤」的矛盾，正是这首歌最动人的地方。它像极了我们这个时代的年轻人：表面上笑嘻嘻，心裡其实在焦虑未来；一边说「我们不回头」，一边还在与过去和解。MV由一位老人与《AAA》全体成员共同出演，用SF风格的画面，讲述「HYUKOH与落日飞车的下一个篇章」——或者更遥远的未来。 〈Do Nothing〉——Bossa Nova的共通语言 〈Do Nothing〉从一开始就定调在Bossa Nova的氛围裡，这是国国在demo阶段就决定好的方向。两团都认為，Bossa Nova是他们最适合合作的乐风——落日飞车第一张专辑直接就叫《Bossa Nova》，而HYUKOH在上一张《through love》中也用自己的美学演绎过巴西的爵士氛围。 於是〈Do Nothing〉就像一场两个老朋友的午后对谈：不需要说太多话，光是那种鬆弛的节奏、慵懒的吉他、一点点沙哑的人声，就足够让人放鬆下来。歌名「Do Nothing」本身就是一种态度——有时候什麼都不做，就是最好的事。 〈Aaaannnnteeeeennnaaaaaa〉——即兴的延伸 这首歌的名字本身就是一个玩笑——把〈Antenna〉的音节拉长，像在喊一个很长很长的名字。它更像是〈Antenna〉的即兴延伸版本，一种实验性的、迷幻的、让人漂浮的声音织体。如果你喜欢落日飞车那种「让人陷入梦境」的时刻，这首歌会是你的最爱。 〈Citizen Kane〉——向经典电影致敬 最后一首〈Citizen Kane〉，以奥逊·威尔斯的经典电影《大国民》為名，本身就带著一种「时代总结」的意味。它把前面七首歌的所有元素——Bossa Nova的鬆弛、摇滚的节奏、合成器的梦幻、人声的对话——全部收进来，像一场即将结束的派对，大家最后一起合唱著、回顾著过去一年的旅程。 04 视觉与美学：专辑封面、MV与亚洲认同 《AAA》不只是一张音乐专辑，它的视觉设计同样值得好好说一说。 专辑封面由首尔出身的设计师Na Kim操刀。她在受访时提到，当她接到这个案子、和吴赫聊起「这个时代的亚洲认同」时，第一个浮现的画面，是多年前在纽约看到的一块中餐厅招牌。那种东方字体与西方排版混合的、有点朴素又有点奇特的视觉，正是她想在《AAA》封面上传达的东西——不是纯粹的「韩国」或「台湾」，而是一种游走在多个文化之间的、曖昧的亚洲身分。 [图片] 图3：《AAA》专辑封面，山顶上坐著一群人，远方是云雾繚绕的山巔——像一场没有终点的旅程 封面的主视觉是一张照片：一群人穿著厚外套，坐在布满石块的山顶上，远方是云雾繚绕的山峰。它没有任何团员的脸——你看不到谁是落日飞车、谁是HYUKOH，只看到「一群人」在一起。这个画面本身就说明了一切：这不是两个乐团的联名，而是一个「共同体」的肖像。 而专辑名称「AAA」也有多重含义。它既是两个乐团名字的某种缩写（AAA的第一个A代表…？），也让人联想到「最高级」「最优质」的评级，更像是一种俏皮的自我介绍——「我们就是AAA等级的合作」。同时，AAA也是一个「没有国籍」的名字，你可以说它是英文、是韩文、是任何语言，就像这张专辑本身。 至於〈Antenna〉的MV，除了许光汉与竇靖童的卡司让人惊喜之外，导演rafhoo也因為这支作品拿下了第36届金曲奖最佳MV奖。MV用科幻的视觉语言，讲述两个人在不同的空间裡试图「接收」彼此的讯号——那种「明明很靠近、却又很遥远」的感受，正好是这个时代人与人之间关系的写照。 05 横越五万五千公里：AAA巡演与现场专辑 专辑发行之后，两团并没有让《AAA》停留在录音室层面，而是把它搬上了舞台——这就是后来的「AAA巡迴」。 这场巡演的足跡横跨多个城市，总里程数据说高达五万五千公里。对於听眾来说，现场版的《AAA》比录音室版更有力量：十个人同台，乐器一件一件叠上去，声音的织体变得无比丰富——落日飞车的萨克斯、HYUKOH的电吉他、双主唱的对话、全员合唱的副歌，那种「一群人在一起」的温度，是耳机很难完全传递的。 2025年5月6日，他们进一步发行了《AAA (LIVE)》现场专辑，数位收录了巡演的精选曲目；6月则推出了实体的2CD+Blu-ray版本，完整收录30首演出曲目，以及2024年首尔公演的实况影像。这份「现场档案」不仅是给乐迷的圣诞礼物，更是《AAA》这个计画的完整总结——从2023年加平的写歌营，到2024年专辑发行，再到2025年的巡演落幕，整个故事终於有了一个完整的句点。 2025年8月，他们还登上了韩国Pentaport Rock Festival的舞台，把《AAA》的歌曲带到更大的户外摇滚节现场。而在台湾，HYUKOH也在同年8月登上「潮台北」活动，与台湾乐迷近距离见面——这场跨海峡的音乐友谊，终於也在现场找到了彼此的听眾。 06 亚洲独立音乐的新范式：為什麼《AAA》重要 说到底，《AAA》的意义远远超出「两个乐团合作」这件事本身。 过去我们习惯把亚洲的独立音乐分成一块一块的：台湾的、韩国的、日本的、香港的……每个场景有自己的听眾、自己的脉络、自己的语言。但《AAA》证明了一件事：这些边界，其实是可以被音乐打破的。 落日飞车用英文唱著台北的浪漫，HYUKOH用中英韩三语唱著首尔的青春——但当他们站在一起的时候，没有人会问「这是台湾歌还是韩国歌」，你只会知道「这是一首好听的歌」。那种「亚洲音乐共同体」的想像，过去可能只是一个口号，但在《AAA》裡，它变成了可以听到、可以摸到、可以跟著摇摆的真实声音。 这也是為什麼国国在访谈中说了一句很动人的话：「如果我们只是热爱音乐，就不会有那些奇怪的大牌问题。」意思是，当你把音乐放在第一位的时候，什麼国籍、什麼流量、什麼市场，都会退到后面去。剩下的，就是十个人、几件乐器、和一个共同的晚上。 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