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孙怡：从时尚名媛到主编 “蜕变”，解锁独特美学与 “屁孩” 哲学

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观心自在

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在时尚与生活艺术交织的璀璨舞台上，孙怡宛如一颗耀眼且独具个性的星辰，闪耀着别样光芒。以一句 “随兴的做作王” 俏皮自评，恰似揭开神秘面纱一角，展露她那率真又充满玩味的处世姿态，让人不禁对这位集多重身份于一身的魅力女性充满好奇与探究欲。
身为时尚名媛，孙怡穿梭于各大高端社交场合，红毯之上，她一袭袭华服加身，却总能演绎出与众不同的风情。并非是一味遵循传统审美范式，堆砌奢华元素，而是巧妙融合潮流与自我风格，像是将复古剪裁的礼服，搭配上现代感十足、设计大胆的配饰，耳环可能是抽象艺术造型、手链带着先锋机械美学韵味，每一步都踩在时尚与舒适、经典与创新的微妙平衡线上，举手投足间气场自显，仿若自带聚光灯，吸引众人目光，成为全场焦点。

而当她转身投入商业领域，摇身一变成为复合式家饰用品店 “Sunset” 的创办人时，更是将对生活美学的热忱与独特见解倾注其中。走进 “Sunset”，仿若踏入一个梦幻与实用共融的家居空间乌托邦。店内陈列的家居饰品，从抱枕到摆件，从灯具到地毯，无不蕴含着孙怡的匠心。一款看似普通的抱枕，面料选用的是有着特殊纹理、触感柔软亲肤且环保可持续的材质，图案设计或许是她游历小众艺术村落时获取灵感，抽象勾勒出当地风土人情，兼具装饰性与故事感；灯具造型摒弃常见的规整模样，借鉴了建筑大师的灵动曲线设计，开灯瞬间，光线透过独特灯罩，营造出温馨又充满艺术氛围的光影效果，让家居空间从功能性场所 “变身” 为生活美学的展示厅，重新定义家饰对于生活品质提升的意义。
如今，孙怡再添重磅身份 ——Vogue Taiwan 的总编辑，这无疑是她在时尚版图的又一次进阶。接手这一引领时尚潮流风向标的 “指挥棒”，意味着肩负起传递前沿审美、挖掘本土时尚潜力、融合国际风尚的重任。在这个资讯爆炸、时尚风格瞬息万变的时代，孙怡秉持自己的 “屁孩” 哲学入局。所谓 “屁孩” 哲学，绝非幼稚鲁莽，而是带着孩童般纯粹的好奇心与无畏打破常规的勇气。

面对国际大牌时尚秀场年年翻新的潮流趋势，她不盲目追崇，而是冷静剖析。当极简风盛行，人人皆以纯色、利落剪裁为时尚圭臬时，孙怡在杂志选题策划上，巧妙引入小众文化视角，挖掘日本某个传承数百年的手工纺织村落，展示用古老技法织就、色彩斑斓且纹样复杂的面料，搭配现代简约服饰，诠释 “繁简共生” 新美学理念，让读者看到时尚并非单一走向，传统与现代碰撞能绽放别样火花。对于本土时尚力量崛起，她更是不遗余力扶持，深入台湾街头巷尾，挖掘那些隐藏在市井之中、用创意裁剪废旧布料制作个性服饰的年轻设计师，将他们推上杂志版面，给予曝光机会，为本土时尚生态注入源源不断活力，拓宽台湾时尚在国际舞台的 “能见度”。
在日常工作场景里，孙怡对待拍摄策划亦充满奇思妙想。一场以 “都市丛林探险者” 为主题的时尚拍摄，选址不是常规的摄影棚，而是城市中荒废的旧工厂，斑驳墙壁、生锈铁架成为天然背景板，模特身着融合户外机能与都市精致风格的服饰，背着特制的、形似登山包却设计感十足的挎包，脚蹬兼具防水与时尚元素的靴子，穿梭其中，灯光聚焦下，呈现出一种在钢筋水泥丛林中勇敢探索、找寻自我风格的时尚叙事，打破传统时尚拍摄局限于奢华场景、展示华丽服饰的套路，赋予时尚更深厚生活底蕴与冒险精神内涵。
谈及美学见解，孙怡坚信美是多元且包容的。“美不该被定义在固定框架里，无论是巴黎秀场的高冷设计，还是非洲部落的民俗装扮，只要蕴含创作者的真情实感、对生活的热爱与独特诠释，都值得被尊重、被欣赏。” 在她看来，时尚杂志不应只是展示昂贵服饰、精致妆容的橱窗，更是一座连接不同文化、生活方式与美学理念的桥梁，引领读者跨越地域、阶层，去发现身边被忽视的美，去拥抱更广阔的审美天地。从社交场的时尚名媛，到家居美学的 “筑梦人”，再到时尚传媒的掌舵者，孙怡正用自己的行动与理念，持续书写着充满惊喜与深度的时尚传奇，未来还将带来多少独特 “惊喜”，值得翘首以盼。

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War〉的编曲大部分只由两个和弦构成，带著一种老派、朴实的氛围——它不像一首「精心设计的流行歌」，更像两个乐团在彼此试探时，自然而然流淌出来的声音。这种「不设防」的状态，后来成為整张《AAA》的基调。 但写歌营只是起点。接下来的一年，两团并非天天腻在一起，而是採取了「远端交换档案」的方式：有人在首尔丢一个demo过去，台北那边加一点东西，再传回来；有时候他们跑到朋友家裡，那个人堆了满屋的合成器，国国和吴赫就在那裡jam出了〈Antenna〉的编曲。就像国国说的：「我们有四首歌是在加平的jam session裡做出来的，另外八首是透过网路交换档案完成的——方法很多样。」 十个人一起做专辑，最大的挑战是什麼？不是编曲，不是乐器，而是歌词。 「我们都喜欢一层一层叠声音的做法，人越多，能推的层次就越远。」国国解释，「但问题是，我们写demo的时候，通常会随口哼一些没有意义的音节，然后就对那些声音產生了感情。等到要写正式歌词的时候就很头痛——你得找到意思对、而且原本那个旋律flow也对的词。」 这也是為什麼《AAA》的歌词语言很特别：英文、中文、韩文交织，有时候甚至很「鬆」，不是那种一针见血的歌词，而是留出很多空间让听者自己填进去。比如唯一一首全中文填词的〈Antenna〉，吴赫和国国的诗作风格其实很像——都不会把意思说死，而是用模糊的意象，让每个人听出自己的故事。 03 逐曲拆解：《AAA》八首歌的创作密码 《AAA》一共八首歌，每一首都像一块拼图，各自承载著两团碰撞的不同面向。以下是逐曲解析： 〈Kite War〉——一切的起点 作為专辑开场，〈Kite War〉的意义不在於「最好听」，而在於它是整个合作计画的催化剂。两个和弦、五分鐘的即兴，就这样把十个人拉到了同一条船上。它的听感非常放鬆，甚至有点懒洋洋——就像刚认识的朋友，在午后的阳光下随便弹弹吉他，没有压力，也没有目的。 〈Y〉——两种声音的第一次正式对话 如果说〈Kite War〉是「试探」，〈Y〉就是「正式开始对话」。这首歌裡你可以明显听到HYUKOH的节奏感与落日飞车的旋律感如何交织在一起——吴赫的声音带著一点沙哑的质地，国国的声音则温暖而慵懒，两种声线并排的时候，不谁抢谁，而是像两条河交汇。 〈Antenna〉——唯一的中文歌，也是最诗意的一首 〈Antenna〉是整张专辑唯一一首全中文填词的歌曲，也是后来拿下第36届金曲奖最佳MV的作品。它的歌词围绕著「接收讯号」「宇宙」「遥远的呼唤」展开：从月亮、从天空、从某个未知的地方，我们不断发射和接收著细微的电波。 这首歌的MV由导演rafhoo执导，更邀请到许光汉与竇靖童主演，讲述一段关於「连结」与「疏离」的故事。柔软的人声、梦幻的旋律序列，把语言的界线整个融化掉——即使你听不懂中文，也能感受到那种遥远的、电波一般的悸动。 〈Glue〉——专辑主打，自然裡的爱 〈Glue〉是这张专辑的主打歌。精巧转折的和弦行进，配上简单浪漫的歌词，形成一种奇妙的对比——音乐很「讲究」，歌词却很直接。MV导演DQM為了这首歌，特别飞到柬埔寨拍摄，画面裡是经年累月互相缠绕生长的树木——那种「自然裡蕴含的爱」，就是「Glue」这个歌名的由来：把两个东西黏在一起的，有时候不是胶水，而是时间。 〈Young Man〉——对青春的告别与对未来的焦虑 〈Young Man〉是专辑的先行单曲，也是情绪最复杂的一首。它的旋律明亮、乐观，听起来像一首朝气蓬勃的青春进行曲；但歌词却在讲「活下去」「挣扎」「对未来的不确定」「告别年轻」。 这种「音乐很开心、歌词很悲伤」的矛盾，正是这首歌最动人的地方。它像极了我们这个时代的年轻人：表面上笑嘻嘻，心裡其实在焦虑未来；一边说「我们不回头」，一边还在与过去和解。MV由一位老人与《AAA》全体成员共同出演，用SF风格的画面，讲述「HYUKOH与落日飞车的下一个篇章」——或者更遥远的未来。 〈Do Nothing〉——Bossa Nova的共通语言 〈Do Nothing〉从一开始就定调在Bossa Nova的氛围裡，这是国国在demo阶段就决定好的方向。两团都认為，Bossa Nova是他们最适合合作的乐风——落日飞车第一张专辑直接就叫《Bossa Nova》，而HYUKOH在上一张《through love》中也用自己的美学演绎过巴西的爵士氛围。 於是〈Do Nothing〉就像一场两个老朋友的午后对谈：不需要说太多话，光是那种鬆弛的节奏、慵懒的吉他、一点点沙哑的人声，就足够让人放鬆下来。歌名「Do Nothing」本身就是一种态度——有时候什麼都不做，就是最好的事。 〈Aaaannnnteeeeennnaaaaaa〉——即兴的延伸 这首歌的名字本身就是一个玩笑——把〈Antenna〉的音节拉长，像在喊一个很长很长的名字。它更像是〈Antenna〉的即兴延伸版本，一种实验性的、迷幻的、让人漂浮的声音织体。如果你喜欢落日飞车那种「让人陷入梦境」的时刻，这首歌会是你的最爱。 〈Citizen Kane〉——向经典电影致敬 最后一首〈Citizen Kane〉，以奥逊·威尔斯的经典电影《大国民》為名，本身就带著一种「时代总结」的意味。它把前面七首歌的所有元素——Bossa Nova的鬆弛、摇滚的节奏、合成器的梦幻、人声的对话——全部收进来，像一场即将结束的派对，大家最后一起合唱著、回顾著过去一年的旅程。 04 视觉与美学：专辑封面、MV与亚洲认同 《AAA》不只是一张音乐专辑，它的视觉设计同样值得好好说一说。 专辑封面由首尔出身的设计师Na Kim操刀。她在受访时提到，当她接到这个案子、和吴赫聊起「这个时代的亚洲认同」时，第一个浮现的画面，是多年前在纽约看到的一块中餐厅招牌。那种东方字体与西方排版混合的、有点朴素又有点奇特的视觉，正是她想在《AAA》封面上传达的东西——不是纯粹的「韩国」或「台湾」，而是一种游走在多个文化之间的、曖昧的亚洲身分。 [图片] 图3：《AAA》专辑封面，山顶上坐著一群人，远方是云雾繚绕的山巔——像一场没有终点的旅程 封面的主视觉是一张照片：一群人穿著厚外套，坐在布满石块的山顶上，远方是云雾繚绕的山峰。它没有任何团员的脸——你看不到谁是落日飞车、谁是HYUKOH，只看到「一群人」在一起。这个画面本身就说明了一切：这不是两个乐团的联名，而是一个「共同体」的肖像。 而专辑名称「AAA」也有多重含义。它既是两个乐团名字的某种缩写（AAA的第一个A代表…？），也让人联想到「最高级」「最优质」的评级，更像是一种俏皮的自我介绍——「我们就是AAA等级的合作」。同时，AAA也是一个「没有国籍」的名字，你可以说它是英文、是韩文、是任何语言，就像这张专辑本身。 至於〈Antenna〉的MV，除了许光汉与竇靖童的卡司让人惊喜之外，导演rafhoo也因為这支作品拿下了第36届金曲奖最佳MV奖。MV用科幻的视觉语言，讲述两个人在不同的空间裡试图「接收」彼此的讯号——那种「明明很靠近、却又很遥远」的感受，正好是这个时代人与人之间关系的写照。 05 横越五万五千公里：AAA巡演与现场专辑 专辑发行之后，两团并没有让《AAA》停留在录音室层面，而是把它搬上了舞台——这就是后来的「AAA巡迴」。 这场巡演的足跡横跨多个城市，总里程数据说高达五万五千公里。对於听眾来说，现场版的《AAA》比录音室版更有力量：十个人同台，乐器一件一件叠上去，声音的织体变得无比丰富——落日飞车的萨克斯、HYUKOH的电吉他、双主唱的对话、全员合唱的副歌，那种「一群人在一起」的温度，是耳机很难完全传递的。 2025年5月6日，他们进一步发行了《AAA (LIVE)》现场专辑，数位收录了巡演的精选曲目；6月则推出了实体的2CD+Blu-ray版本，完整收录30首演出曲目，以及2024年首尔公演的实况影像。这份「现场档案」不仅是给乐迷的圣诞礼物，更是《AAA》这个计画的完整总结——从2023年加平的写歌营，到2024年专辑发行，再到2025年的巡演落幕，整个故事终於有了一个完整的句点。 2025年8月，他们还登上了韩国Pentaport Rock Festival的舞台，把《AAA》的歌曲带到更大的户外摇滚节现场。而在台湾，HYUKOH也在同年8月登上「潮台北」活动，与台湾乐迷近距离见面——这场跨海峡的音乐友谊，终於也在现场找到了彼此的听眾。 06 亚洲独立音乐的新范式：為什麼《AAA》重要 说到底，《AAA》的意义远远超出「两个乐团合作」这件事本身。 过去我们习惯把亚洲的独立音乐分成一块一块的：台湾的、韩国的、日本的、香港的……每个场景有自己的听眾、自己的脉络、自己的语言。但《AAA》证明了一件事：这些边界，其实是可以被音乐打破的。 落日飞车用英文唱著台北的浪漫，HYUKOH用中英韩三语唱著首尔的青春——但当他们站在一起的时候，没有人会问「这是台湾歌还是韩国歌」，你只会知道「这是一首好听的歌」。那种「亚洲音乐共同体」的想像，过去可能只是一个口号，但在《AAA》裡，它变成了可以听到、可以摸到、可以跟著摇摆的真实声音。 这也是為什麼国国在访谈中说了一句很动人的话：「如果我们只是热爱音乐，就不会有那些奇怪的大牌问题。」意思是，当你把音乐放在第一位的时候，什麼国籍、什麼流量、什麼市场，都会退到后面去。剩下的，就是十个人、几件乐器、和一个共同的晚上。 《AAA》不是完美的——它有实验性的尝试，也有一些比较鬆散的段落；它不是那种每一首都是主打歌的专辑，而是一张「需要慢慢听」的作品。但正是这种「不完美的真实」，让它变得可爱。它不像一张精心计算的商业合作，更像一场朋友间的即兴聚会——而那种「在一起做音乐」的快乐，才是《AAA》最想传达的东西。 对於听眾来说，这张专辑的最佳打开方式，或许就是找一个放鬆的下午，把它从头到尾听一遍。你不需要懂乐理，也不需要分得清谁是谁的歌——你只需要让那种温暖的、有一点慵懒、又有一点兴奋的声音，把你包围起来。 就像封面裡那群坐在山顶上的人：他们也许不知道远方是什麼，但他们知道，此刻他们在一起。