跨越海峡的十年惺惺相惜，十人即兴碰撞，不止一张联名专辑，更是亚洲独立音乐共同体的实践范本

一场横跨五年友谊沉淀、十人编制集体即兴、八首风格多元凝练作品，以及一场关于**亚洲音乐共同体**的先锋音乐实验。它跳出「跨区艺人 feat 客串」的浅层合作框架，用语言交织、跨地域远程协作、融合多元曲风，重新定义亚洲独立乐团跨国合作的可能性。

1：《AAA》专辑数位封面，由设计师 Na Kim 操刀，灵感来自多年前设计师在纽约街头偶遇的中餐厅招牌。混杂东西方文字排版的视觉意象，隐喻当代亚洲人游走多重文化之间的身份状态。

2024 年 7 月 10 日，对全亚洲独立乐迷而言，是值得载入亚洲独立音乐史册的里程碑时刻。来自台北的落日飞车（Sunset Rollercoaster），与韩国独立乐坛传奇天团 HYUKOH（혁오），正式联合发布合作专辑《AAA》。
这绝非简单「A 乐团邀 B 乐团客串几首歌」的商业联动，而是两团十人阵容，耗费整整一年，往返穿梭京畿道加平、首尔、济州岛，面对面即兴 jam 搭配跨海峡远端档案交换，反复打磨、双向共创出来的完整概念专辑。

在这张专辑诞生之前，两支乐团早已各自在国际独立乐坛站稳脚跟。落日飞车凭借专辑《SOFT STORM》拿下金曲奖最佳乐团，成功登上 Coachella、Fuji Rock 等全球顶级音乐节舞台；HYUKOH 从首尔弘大地下 Livehouse 突围，一路攻占大型场馆，主唱吴赫（OHHYUK）独特的叙事感嗓音，早已被大量华语乐迷熟知。
当两支都拥有成熟个人美学、本土根基深厚，同时具备海外巡演经验的亚洲顶尖独立乐团，决定放下各自标签，共同投入一整张专辑创作，整个独立圈都充满好奇：他们会把两方的风格简单拼接，还是碰撞出一种全新、不属于任何单一地域的声音？

答案，就是《AAA》。八首曲目，总时长 39 分钟，一张循环感极强、耐听度极高的专辑。它不是「落日飞车加上一点点 HYUKOH 调味」，也不是反过来；两团刻意避开风格简单迭加，目标是碰撞**第三种全新的声音**—— 一种属于亚洲、挣脱国别标签束缚，只靠情绪与旋律沟通的音乐语言。

01 两大传奇乐团的成长轨迹：台北与首尔，两条平行却共鸣的独立之路

想要读懂《AAA》的独特性，必须先看懂两支乐团各自的音乐底色与成长脉络，也正是这份相似又相异的经历，让他们拥有合作的底层默契。

落日飞车，2011 年诞生于台北，当前固定团员为主唱 / 吉他曾国宏（国国）、贝斯陈弘礼、鼓手罗尊龙、键盘王少轩（小甘）、萨克斯与打击乐手黄浩庭。曲风常被概括为热带复古浪漫，将 Bossa Nova、City Pop、70 年代 Soft Rock、迷幻爵士融为一体。曾国宏慵懒朦胧的英文唱腔，搭配标志性萨克斯与温润合成器织体，很容易让听众联想到台北黄昏的暖风、城市霓虹，一段松弛缓慢的都市浪漫故事。

落日飞车的发展道路充满波折。2011 年首张同名专辑《Bossa Nova》推出后乐团曾一度解散。2015 年曾国宏重组落日飞车，加入萨克斯编制，丰富编曲层次，才慢慢在华语独立场景打开知名度。2016 EP《Jinji Kikko》、2018《Cassa Nova》、2020《SOFT STORM》，作品成熟度逐级提升，2021 年凭《SOFT STORM》拿下第 32 届金曲奖最佳乐团，陆续踏上国际音乐节舞台，成为华语独立乐团走向世界的标杆。
2：落日飞车团员，五人编制打造丰富多层次的声响编织（资料图）
HYUKOH**，2014 年在首尔弘大成立，由主唱吴赫、吉他林贤帝、贝斯任童健、鼓手李仁雨四人组成。吴赫独特的成长经历，塑造乐团超越国界的音乐视角：出生韩国，五个月随家人迁居中国，在延吉、北京生活成长，高中才返回韩国。跨地域成长经历，让他的创作天然跳出单一本土视角，歌词经常中英韩交织，旋律融合英式摇滚松弛感、R&B 温暖底色，带着东亚都市特有的疏离暧昧气质。

HYUKOH 的走红堪称韩国独立乐坛神话。2014 年凭借 EP《20》依靠口碑缓慢积累听众；2015 年登上 MBC 综艺《无限挑战》岭东高速公路歌谣祭，和郑亨敦组成「远京少年」，一夜出圈，从小众独立乐队变成国民级乐团。后续持续突破边界：2017 正规专辑《23》远赴柏林录制，其中全中文曲目〈Wanli 万里〉，八句简练歌词搭配蒙古草原辽阔 MV，是许多华语听众认识 HYUKOH 的入门作品。2020 专辑《through love》进一步大胆实验 Bossa Nova、电子、世界音乐融合。

很多乐迷不知道，两支乐团的缘分早在专辑计划前多年就埋下伏笔。2020 年落日飞车为 HYUKOH 的〈Help〉制作 Remake 版本，收录在《through love REMIX》EP；同年吴赫跨刀献声落日飞车作品〈Candlelight〉。彼时两人只是互相欣赏的音乐好友，互相欣赏彼此的创作逻辑，谁都未曾设想，几年之后，十个人会齐聚录音室，共同完成一张完整合作专辑。
补充行业知识点：绝大多数亚洲跨区音乐合作，大多停留在单曲 feat、remix 翻唱。而《AAA》属于**全专辑联合创作模式**，词曲、编曲、制作双方共同参与，这在当年亚洲独立乐团跨国合作案例中，属于非常罕见的实验模式。两支乐团都长期在欧美音乐节巡演，在外演出时，同样体会到亚洲音乐人在海外舞台的共同处境，这份共通的海外经验，也是促成合作的隐形纽带。

02 加平创作营：十人同室即兴，一场充满变数的集体音乐实验

2023 年 5 月，两支乐团在首尔重聚，正式敲定这个庞大计划：共同写一整张专辑。
创作地点选在京畿道加平郡 Music Village 1939，一处远离都市噪音的乡间音乐营地。十个人挤在不大的空间内，没有预先写好的歌单，没有固定分工，没有预设曲风，只是把所有乐器铺开，自由即兴演奏。整张专辑的开篇曲目〈Kite War〉，就在这次即兴里诞生。

曾国宏在访谈回忆这段经历：「我们即兴大概五分钟，当下我就确定，这首歌可以继续发展。」〈Kite War〉编曲只依靠两个和弦支撑，质朴复古，不像是精心打磨的流行作品，更像一群新朋友午后随性玩音乐的产物。这种放下预设、不设防的即兴状态，奠定整张《AAA》的创作基调。

但集中创作营只是起点。后续一整年，他们采用「线下即兴 + 远端协作」混合模式。首尔这边传出 demo，台北团员收到后增添编曲想法再传回；有时大家跑到朋友满是复古合成器的工作室，曾国宏与吴赫就在现场即兴摸索，诞生〈Antenna〉的核心编曲。曾国宏提到，八首作品里面，四首诞生于加平现场 jam session，其余曲目依靠网络来回交换工程档案持续修改，创作方式灵活多元。

十人一起创作专辑，最大难关并非乐器编排，而是**歌词创作**。
曾国宏解释他们的创作习惯：在写 demo 阶段，大家习惯随口哼唱无意义的拟声音节，久而久之，大家对这一段哼唱的韵律产生情感。等到要填入正式歌词时就格外困难，既要保留原本旋律流动感，又要找到意境匹配的文字。这也是《AAA》歌词语言丰富多元的原因：英文、中文、韩文穿插，文字表达偏留白含蓄，不会把故事讲死，留出足够空间，让听众代入自身情绪。唯一全中文作品〈Antenna〉最能体现这个特质，曾国宏与吴赫的文字审美高度契合，偏爱意象化表达，不直白诉说，留给听众解读空间。

乐理小知识：很多独立乐团即兴创作，大多是 2-4 人编制。十人同时 jam，会很容易出现声部打架、声部过多杂乱的问题。在加平创作营，他们刻意练习「主动留白」，不是所有人同时演奏，轮流进出编曲，这也是整张专辑听起来饱满却不拥挤的关键。

03 逐曲深度解析：《AAA》八首曲目，承载两种乐团美学的多重碰撞

整张专辑八首曲目，如同八块拼图，各自呈现两支乐团碰撞出来不同面貌，每首背后都藏着独特创作故事：

〈Kite War〉｜整张合作计划的起点

作为专辑开门曲，〈Kite War〉最重要的意义并非好听与否，而是作为这次跨域共创的催化剂。仅两个和弦，五分钟即兴片段，将十位音乐人凝聚到同一个创作目标。听感慵懒松弛，如同初次碰面的伙伴，在午后阳光下随性弹奏，没有商业压力，纯粹享受演奏本身。

〈Y〉｜两种人声的初次正式对话

如果〈Kite War〉是试探，〈Y〉就是两支乐团声音正式对话的开端。可以清晰听见 HYUKOH 极具律动的节奏基底，和落日飞车擅长的优美旋律互相交织。吴赫沙哑颗粒感的声线，搭配曾国宏温暖慵懒的嗓音，双声并行，互不抢夺，如同两条河流慢慢交汇，融为一体。这首 demo 最初由吴赫发起，带到创作营后全员一起扩展编曲层次。

〈Antenna〉｜专辑唯一全中文歌曲，诗意与科幻交织

〈Antenna〉是整张专辑唯一一首全中文填词作品，更是拿下第 36 届金曲奖最佳 MV 的代表作。歌词围绕讯号接收、宇宙、遥远呼唤展开，描绘不断发射、接收远方微弱电波的意象。
MV 由 rafhoo 导演执导，邀请许光汉、窦靖童主演，讲述人与人之间连结与疏离的故事。柔软人声、梦幻旋律，消解语言隔阂，即便不懂中文，听众也能感受到那种远距离牵挂的悸动。额外冷知识：这首歌曲的慢放版本属于意外收获，录音师调整工程时，不小心把音频降速，所有人听完，被这个迷幻质感打动，后续延伸出专辑里那首超长即兴变体曲目。

〈Glue〉｜专辑主打，时间塑造的羁绊

主打单曲〈Glue〉，精巧转折和弦走向搭配直白浪漫歌词，形成有趣反差：编曲精密考究，歌词却质朴简单。导演 DQM 专程远赴柬埔寨取景，MV 画面是常年互相缠绕共生的古树。歌名 Glue（胶水）寓意：真正能将两个人牢牢绑定的，未必是强力胶水，而是漫长岁月共同生长的力量。

〈Young Man〉｜青春外壳下的时代焦虑，专辑先行单曲

先行单曲〈Young Man〉是整张专辑情绪层次最复杂的作品。旋律明亮昂扬，听感像热血青春进行曲；但歌词内核却在诉说生存挣扎、对未来的迷茫、告别青春的怅然。
这种「欢快旋律包裹悲伤歌词」的反差手法，是独立音乐很经典的表达手法，精准刻画当代年轻人状态：外表保持乐观，内心持续焦虑；嘴上向前不回头，内心持续与过去自我和解。MV 邀请长者与十位乐团成员共同出演，采用科幻影像，讲述属于 HYUKOH 与落日飞车，甚至一代人的未来叙事。该曲当年入围金曲奖年度歌曲。

〈Do Nothing〉｜Bossa Nova 作为跨文化共通音乐语言

〈Do Nothing〉在 demo 阶段，曾国宏就确定 Bossa Nova 基调。两支乐团都深爱这种曲风：落日飞车首张专辑直接命名《Bossa Nova》，HYUKOH 在《through love》专辑也尝试用自己的美学演绎巴西爵士。
这首歌如同老友午后闲谈，不需要过多言语，松弛节奏、慵懒吉他、略带沙哑人声，就足够让人沉静放松。歌名「Do Nothing」本身就是一种生活哲学：放空、什么都不刻意去做，也是一种治愈。有趣的幕后故事：这首歌的 demo，是曾国宏在忙碌巡演途中抽空完成，在大量行程之中，写出一首倡导放空休息的曲子。

〈Aaaannnnteeeeennnaaaaaa〉｜即兴衍生的实验幻境

歌名本身带着玩趣，拉长〈Antenna〉的音节，像是拖长呼喊名字。它是〈Antenna〉的即兴延伸版本，偏向实验迷幻，漂浮感浓厚的声响织体。偏爱落日飞车梦境氛围感的听众，会格外钟情这首作品，没有完整歌词，依靠声音氛围营造沉浸式听觉幻境。

〈Citizen Kane〉｜致敬经典电影，为这趟创作旅程收尾

专辑收尾曲目〈Citizen Kane〉，命名源自奥逊・威尔斯传世经典电影《大国民》，自带回顾、总结时代的寓意。这首作品把前面七首歌的全部元素收纳进来：Bossa Nova 松弛感、摇滚强劲律动、梦幻合成器、双主唱对话，如同派对临近尾声，全员合唱，回顾整整一年的共创旅途。

04 视觉美学、专辑名称解读：封面、MV 与亚洲身份议题

《AAA》不只是听觉专辑，整套视觉体系，同样完整呼应「亚洲共同体」的核心主题。
专辑封面由首尔设计师 Na Kim 操刀。在和吴赫讨论当代亚洲身份议题时，她脑海浮现早年在纽约看到中餐厅招牌：东方汉字搭配西式排版，朴素又怪异，这种混杂文化视觉，正是她想要表达的 —— 不属于纯粹韩国，也不属于纯粹台湾，而是游走多重文化之间，暧昧多元的亚洲身份。

图 3：《AAA》专辑封面，一群人身着厚外套坐在乱石山顶，远处云雾缠绕山峰，像一场没有终点的集体旅途。
封面主视觉照片里，看不到任何团员清晰面孔，无法分辨谁属于落日飞车、谁属于 HYUKOH，画面只有「一群人」。这个图像传递核心概念：这不是两个乐团联名企划，而是一个临时组建的音乐共同体肖像。

很多乐迷好奇专辑名称**AAA**，这里补充官方完整含义：AAA 原本只是创作期间内部保密项目代号，最后直接成为专辑名称，拥有多重寓意：

1. AAA 是落日飞车第一次美国巡演投保的保险公司名字，带着旅途、安全感、一路同行的趣味寓意；
2. AAA 代表最高评级，如同酒店、水质的 AAA 顶级认证，代表团队对这张作品品质的自我期许；
3. AAA 同时代表「Asia」以及 Access All Areas（全域通行），象征打破地域边界，自由穿梭的音乐理想。

视觉作品另一大亮点就是〈Antenna〉MV，除豪华主演阵容，导演 rafhoo 凭借这支影像拿下第 36 届金曲奖最佳 MV。MV 用科幻视觉，讲述身处不同空间的两个人努力接收彼此讯号，那种近在眼前却难以触碰的疏离感，精准映照现代人与人之间的关系。

额外奖项知识：《AAA》在第 36 届金曲奖一共入围 7 项大奖，包含年度歌曲、最佳专辑制作人、最佳乐团、最佳演唱录音专辑、两项最佳 MV、最佳专辑设计，是当年金曲奖入围声势最浩大的跨国独立音乐作品，最终斩获三项奖项，创下台韩乐团合作专辑在金曲奖的入围纪录。

05 五万五千公里的巡演征途：从录音室作品走向全世界现场

专辑发行之后，两团没有让《AAA》仅仅停留在耳机里的录音室版本，把整套作品搬上舞台，开启「AAA TOUR」世界巡回演出。
整趟巡演总里程高达五万五千公里，足迹覆盖首尔、台北、东京、悉尼、墨尔本等亚洲、澳洲多座城市，首尔、台北场次门票全部迅速售罄。现场和录音室版本有明显区别：十人同台演出，乐器一层层迭加，落日飞车标志性萨克斯、HYUKOH 爆发力电吉他、双主唱交替对话、全员大合唱，录音室无法复刻的集体现场温度，只有亲临现场才能体会。

2025 年 5 月 6 日，他们推出《AAA (LIVE)》现场专辑，数位版本收录巡演精选曲目；同年 6 月发行实体 2CD+Blu-ray 套装，收录 30 首完整演出曲目，以及 2024 首尔公演完整影像。这份现场档案，完整封存从 2023 加平创作营、2024 专辑发行，到 2024-2025 巡演落幕的全部故事，为《AAA》企划画上完整句点。
2025 年 8 月，他们登上韩国 Pentaport Rock Festival 大型户外舞台，在数万观众面前演绎《AAA》曲目；同期 HYUKOH 也到访台北「潮台北」活动，和当地乐迷近距离见面。这场跨海峡的音乐友谊，从录音室延伸到各地现场，和不同地域听众相遇。

06 亚洲独立音乐新范式：为什么《AAA》拥有里程碑价值

放到亚洲独立音乐的大框架来看，《AAA》的意义，早已超越「两个知名乐团合作发专辑」这件事。
长久以来，亚洲独立音乐场景习惯被地域切割：台湾独立圈、韩国独立圈、日本独立圈，各个圈子拥有自己的听众、创作脉络、语言体系，互相交流大多是音乐节互相邀请演出，深度联合创作的案例极少。《AAA》证明一件事：这些人为划分的边界，可以依靠音乐消融。

落日飞车用英文书写台北浪漫，HYUKOH 用中英韩三语描绘首尔青年心事。但当他们共同创作，听众不会纠结「这首歌属于哪里」，只会感受旋律与情绪。曾经「亚洲音乐共同体」更多是一句理念口号，而《AAA》把这个构想变成可以聆听、可以现场体验的实体作品。

曾国宏在采访里一句话很有启发性：「如果我们只是热爱音乐，就不会有那些奇怪的大牌问题。」这句话的内核就是：当创作把音乐本身放在第一位，国籍、流量、市场定位都会退居次要，剩下的就是一群人、一堆乐器，共度一段创作时光。

当然《AAA》并非一张完美无瑕的神专。专辑保留大量实验尝试，部分段落编曲相对松散，不是每一首都具备强流行抓耳特质，它不是适合快速刷短视频的快餐音乐，需要静下心从头到尾完整聆听。但恰恰这份不加修饰的真实感，赋予作品独特魅力。它不是精密计算的商业联名企划，更像是一群老朋友的即兴音乐聚会，而「一起创作音乐」本身的快乐，就是整张专辑想要传递的核心。

给听众的聆听建议：不必强求听懂全部歌词、分辨哪一段是谁创作、分清哪边乐团的乐器。找一个安静松弛的傍晚，完整从头播放整张专辑。不用深究乐理，只需沉浸在温暖慵懒，又带着悸动的声浪之中。如同封面山顶那群人，他们看不清前路终点，但当下，所有人相伴同行。 延伸阅读补充：亚洲独立音乐跨国合作对比
过往亚洲跨区域音乐人合作，大多是单曲 feat、互相 remix、音乐节同台演出。《AAA》是少数**两支完整乐团全员深度共创一整张全长专辑**，词曲、编曲、制作、视觉、巡演一体化的项目。它提供全新范式：亚洲独立音乐人不需要依附欧美市场作为中介，可以直接互相联结，共创属于亚洲的独立音乐美学，这也是这张专辑在全球独立音乐圈受到外媒关注，登上 Grammy 官网专题介绍的原因。