情感好文

2025 Met Gala 倒计时！时尚界奥斯卡全攻略：主题深意、红毯守则、明星阵容一网打尽

观心自在 Avatar
观心自在

分享文章：

距离2025年Met Gala只剩最后一个月！作为时尚圈含金量最高的年度盛事，它不仅是星光熠熠的红毯秀，更是一场关乎文化、历史与创意的深度对话。今年恰逢服装学院时隔22年再聚焦男裝主题，从“黑人剪裁美学”的硬核主题，到“量身定制”的穿搭要求，每一个细节都藏着看点。这篇超全攻略将从核心信息、主题溯源、阵容解析、穿搭指南四大维度拆解，让你提前解锁这场时尚盛宴的所有密码！

【2025 Met Gala 核心信息速览】距离5月5日（周一）开宴仅剩30天，纽约大都会艺术博物馆将迎来史上“最具态度”的一届盛典！

一、核心信息卡：5分钟get关键知识点

关键维度

核心信息

举办时间

2025年5月5日（星期一）—— 延续2005年以来“5月第一个周一”的传统，仅2020年取消、2021年因疫情改期

举办地点

纽约大都会艺术博物馆（The Met）服装学院 | 明星常驻地：附近的The Mark Hotel（2023年星光聚集地）

年度主题

展览主题：《超凡风范：订制黑人风尚》（Superfine：Tailoring Black Style） | 穿搭守则：Tailored for You（为你量身定制）

核心阵容

联合主席：Colman Domingo、Lewis Hamilton、A$AP Rocky、Pharrell Williams、Anna Wintour | 荣誉主席：LeBron James

活动亮点

1. 2003年《裙裝中的男性》后首次聚焦男裝；2. 恢复“主办委员会”传统，阵容涵盖时尚、艺术、体育界；3. 晚宴由星级主厨Kwame Onwuachi掌勺

入场门槛

受邀制为主，非受邀者单张门票约3万美元（约83万新台币），一桌价格达27.5万美元（约760万新台币），2019年曾创1500万美元募资纪录

二、主题深度解析：为什么“黑人剪裁”能成年度焦点？

今年的主题绝非“跟风”，而是对黑人文化在时尚史中“被忽视的贡献”的正式致敬。很多人不知道，黑人绅士风格（Black Dandyism）早已超越“穿衣打扮”，成为对抗种族歧视、彰显身份认同的无声宣言。

1. 主题溯源：一本著作引发的时尚觉醒

主题灵感源自客座策展人Monica L. Miller 2009年的著作《时尚奴隶：黑人优雅主义与黑人流散身份的风格化》。书中颠覆性地提出：“19世纪以来，黑人通过精致剪裁的西装、礼帽等‘绅士装备’，打破了当时社会对黑人‘粗野’的刻板印象，用时尚争夺话语权。”

“绅士风格看似肤浅，但它常常挑战或超越社会和文化等级制度。它提出关于种族、阶级、性别、性取向和权力等方面的身份认同、代表性和流动性问题。这个展览探讨绅士风格既是一种宣言，也是一种挑衅。”—— Monica L. Miller 官方声明

2. 展览核心：12个关键词看懂黑人风尚史

展览将通过服装、绘画、摄影等多媒材，以12个主题单元串联黑人剪裁的演变，每一个关键词都藏着一段历史：

– Ownership（拥有感）：19世纪黑人通过定制西装，宣告对“体面生活”的所有权

– Presence（存在感）：哈莱姆文艺复兴时期，亮色西装成为黑人在公共空间的“身份标识”

– Distinction（独特性）：将非洲传统图腾刺绣融入西装内衬，实现“西装配本土”的创新

– Disguise（伪装）：南北战争时期，逃亡黑人通过绅士装扮“混进”白人社区获得自由

– Freedom（自由）：废奴后，第一套定制西装成为黑人“获得自由”的仪式感象征

– Champion（荣耀）：20世纪黑人运动员穿着定制西装出席颁奖礼，打破“体育界无时尚”偏见

– Respectability（可敬性）：黑人牧师、律师通过严谨剪裁，争取职业领域的尊重

– Jook（娱乐场）：黑人夜总会文化中，亮片西装成为“释放自我”的时尚表达

– Heritage（传承）：当代设计师将黑人传统织布工艺融入高级定制

– Beauty（美感）：重新定义“优雅”，打破“白人审美容垄断”

– Cool（酷感）：从爵士乐手的宽松西装到嘻哈歌手的oversize剪裁，演变出独特的“黑人酷感”

– Cosmopolitanism（世界观）：黑人剪裁风格在全球的传播与融合

三、阵容解析：史上“最帅主席团”背后的深意

今年的主席阵容被网友称为“史上最帅”，但每一位的入选都与主题高度契合——他们既是时尚icon，更是黑人文化的传播者。

1. 联合主席天团：从银幕到赛场的风格代表

– Colman Domingo（演员）：凭借《鲁斯汀》中“西装革履的民权运动者”角色出圈，现实中擅长用复古剪裁展现黑人绅士魅力

– Lewis Hamilton（F1车手）：时尚圈的“跨界玩家”，曾多次穿着黑人设计师定制西装亮相红毯，推动赛车与时尚的融合

– A$AP Rocky（说唱歌手）：将街头风格与高级剪裁结合的先驱，曾与Raf Simons合作推出“黑人街头剪裁”系列

– Pharrell Williams（音乐人/设计师）：担任香奈儿男装创意总监，是首位执掌奢侈品牌男装的黑人设计师，亲身践行“黑人剪裁美学”

– Anna Wintour（Vogue主编）：Met Gala的“定海神针”，此次力推黑人主题，被视为时尚界“多元化”的重要信号

2. 主办委员会：星光背后的文化分量

今年恢复了暂停多年的“主办委员会”传统，20位成员涵盖各领域：

重点成员亮点：时装设计师Dapper Dan（80年代将黑人街头元素融入奢侈品牌的先锋）、导演Spike Lee（电影中大量运用黑人时尚符号）、歌手Usher（R&B领域的“西装革履代言人”）

四、红毯穿搭指南：“Tailored for You”到底要怎么穿？

今年的Dress Code“Tailored for You”看似宽松，实则暗藏玄机——既要致敬“剪裁”核心，又要展现“个人风格”。结合主题，我们预测三大流行方向：

1. 经典复刻风：向黑人时尚先驱致敬

关键词：复古西装、定制细节、非洲元素点缀。参考1920年代哈莱姆文艺复兴时期的风格，男士可选择窄肩收腰的复古西装，搭配非洲图腾领结；女士可尝试“西装裙+头巾”的组合，重现黑人女性的优雅与力量。

明星预测：Pharrell Williams可能会穿着自己设计的香奈儿定制西装，内衬绣上非洲传统图案；Janelle Monáe（主办委员会成员）或会选择雌雄同体的剪裁西装，呼应主题的“性别流动”探讨。

2. 现代创新风：剪裁与个人符号的融合

关键词：解构西装、个性化刺绣、色彩碰撞。将传统西装解构，加入个人职业或身份的符号——比如运动员可在西装上绣运动元素，演员可融入角色相关的细节。

明星预测：Lewis Hamilton可能会穿着F1赛车元素与西装剪裁结合的定制款，袖口绣上冠军奖杯图案；A$AP Rocky或会尝试oversize西装搭配街头涂鸦元素，展现“高级与街头的融合”。

3. 女性力量风：重新定义“女性剪裁”

关键词：权力西装、垫肩设计、中性风。打破“剪裁是男性专属”的偏见，女性可选择宽肩西装、束腰西装裤等单品，展现“女性的剪裁力量”。

明星预测：Beyoncé（Met Gala常客）可能会穿着黑人设计师定制的金色垫肩西装，搭配夸张的几何耳环；Jennie（2024年红毯焦点）或会尝试短款西装外套+高腰阔腿裤，展现少女感与剪裁感的平衡。

五、幕后冷知识：Met Gala不为人知的“潜规则”

1. 场内禁忌：手机是“违禁品”

一旦进入博物馆，所有宾客必须上交手机，禁止拍照和社交分享——这也是为什么场内照片极少流出的原因。唯一的“例外”是官方摄影师，他们会拍摄指定的晚宴和观展画面。

2. 座位玄机：“C位”不是靠名气

座位由Anna Wintour亲自安排，核心原则是“跨界搭配”——时尚设计师必须与明星同桌，艺术家要与商界人士相邻，目的是“促进不同领域的创意碰撞”。2019年Rihanna的C位，正是因为她兼具“明星、设计师、企业家”三重身份。

3. 历年主题回顾：从时尚到文化的演变

年份

主题

核心亮点

2024

《睡美人：时尚甦醒》

跨越400年的“睡眠与时尚”对话，50件古董服饰首次亮相

2023

《Karl Lagerfeld：A Line of Beauty》

致敬老佛爺，其爱猫邱比特走上红毯成焦点

2022

《在美國：時尚選集》

聚焦美国时尚的包容性，致敬无名设计师

一场时尚盛宴，更是一次文化觉醒

2025年的Met Gala，早已超越“明星比美”的范畴。当黑人剪裁成为年度焦点，当“量身定制”不仅是穿搭要求，更是对“身份认同”的强调，我们看到时尚真正的力量——它能让被忽视的历史被看见，让不同的声音被听见。

5月5日的红毯上，我们期待的不仅是惊艳的造型，更是每一位嘉宾用服装讲述的“黑人风尚故事”。这场盛宴，注定会成为时尚史中“多元化”的重要里程碑。你最期待哪位明星的造型？欢迎在评论区留言预测！

發佈留言

發佈留言必須填寫的電子郵件地址不會公開。 必填欄位標示為 *

相關文章

跨过海峡的浪漫共鸣：落日飞车×HYUKOH《AAA》如何写下亚洲独立音乐的新范式 一场横跨五年的友谊、十人的即兴实验、八首凝练的作品，以及一个关於「亚洲音乐共同体」的大胆想像 [图片] 图1：《AAA》专辑数位封面，由设计师 Na Kim 操刀，灵感来自一张多年前在纽约见到的中餐厅招牌 2024年7月10日，对於亚洲独立音乐迷来说是一个值得标註的日子。台湾的落日飞车（Sunset Rollercoaster）与韩国的HYUKOH（혁오），这两个在各自国家都已是「殿堂级」的独立乐团，正式发表了名為《AAA》的合作专辑。这不是一张简单的「客串合作」，而是两团十人编制、耗时一年、从加平到首尔再到济州反覆碰撞出来的完整作品。 在这张专辑发行之前，落日飞车已经以《SOFT STORM》拿下金曲奖最佳乐团、登上Coachella舞台；HYUKOH则是从弘大地下场景一路走到国内外大场馆，主唱吴赫（OHHYUK）更是华语乐圈也熟悉的名字。当两个同样在国际市场闯出名号、却又各自带著浓厚本土印记的乐团决定「在一起做一张专辑」，这件事本身就已经足够让人好奇——他们会做出什麼？ 答案是《AAA》。八首歌、三十九分鐘，一张让人耳边一亮、循环播放率极高的作品。它既不是「落日飞车的歌加一点HYUKOH的味道」，也不是反过来；它试图撞出第三种原本不存在的声音，一个属於「亚洲」的、不被地域标籤限制的声音。 01 两个传奇乐团的相遇：从台北到首尔的音乐轨跡 要理解《AAA》為什麼特别，得先认识这两个乐团各自是谁。 落日飞车，2011年成立於台北，现任团员包括主唱兼吉他手曾国宏（国国）、贝斯手陈弘礼、鼓手罗尊龙、键盘手王少轩（小甘）与萨克斯/打击乐手黄浩庭。他们的音乐常被形容為「热带的」「浪漫的」「复古的」——Bossa Nova、City Pop、Soft Rock、迷幻爵士的元素揉在一起，国国那种慵懒迷离的英文嗓音，配上萨克斯与合成器的织体，让人一听就联想到台北傍晚的暖风、霓虹灯下的街景，或者一场不急不徐的午后罗曼史。 落日飞车的路并非一开始就顺遂。2011年他们发行第一张专辑《Bossa Nova》后曾经解散，直到2015年前后国国重组乐团，加入了萨克斯与更多编制，才慢慢在华语独立音乐场景站稳脚步。2016年的EP《Jinji Kikko》、2018年的《Cassa Nova》、2020年的《SOFT STORM》，一张比一张成熟，最终在2021年以《SOFT STORM》拿下第32届金曲奖最佳乐团，并陆续登上Coachella、Fuji Rock等国际音乐节，成為台湾独立音乐「国际化」的代表乐团之一。 [图片] 图2：落日飞车团员，五人编制带来丰富的编织感（资料图） HYUKOH，2014年成立於首尔弘大，由主唱吴赫、吉他手林贤帝、贝斯手任童健、鼓手李仁雨四人组成。吴赫的成长背景很特别——他出生於韩国，五个月大就随父母到中国，在延吉、北京等城市长大，直到高中才回到韩国。这段经歷让他的音乐带有一种超越国界的气质：歌词中英文夹杂、旋律裡有英式摇滚的鬆弛、R&B的温暖，还有一点亚洲都市的曖昧。 HYUKOH在韩国的窜红速度几乎是传奇等级。2014年以EP《20》出道，靠著口碑慢慢累积听眾；2015年因為参加MBC综艺节目《无限挑战》的「岭东高速公路歌谣祭」，与郑亨敦组成「远京少年」组合，一夜之间成為国民乐团。此后他们不断突破：2017年的正规专辑《23》全程在柏林录音，裡面那首全中文的〈Wanli万里〉，八句简单大气的中文歌词搭配蒙古草原的MV，至今仍是许多华语乐迷认识HYUKOH的入口。2020年的《through love》则进一步实验Bossa Nova、电子与世界音乐的融合。 两个乐团的渊源比多数人想像的更早。2020年，落日飞车曾经為HYUKOH的〈Help〉製作过Remake版本，收录在《through love REMIX》EP中；同一年，吴赫也客串了落日飞车的歌曲〈Candlelight〉。那时候两团只是「互相欣赏的朋友」，谁也没想到几年后他们会走进同一个录音室，做出一张完整的合作专辑。 02 加平写歌营：一场十人编制的即兴实验 2023年5月，两团在首尔再度相聚。这一次，他们决定做一件更大胆的事——一起写歌。 地点选在京畿道加平郡的Music Village 1939，一个远离都市喧嚣的音乐创作营。十个人挤在同一个空间裡，没有预设歌单、没有明确分工，就是把乐器拿出来，开始即兴。第一首冒出来的歌，就是后来成為专辑开场曲的〈Kite War〉。 关於这首歌的诞生，国国后来在访谈中回忆：「我们即兴了大概五分鐘，我立刻就知道，这首歌可以完成。」〈Kite War〉的编曲大部分只由两个和弦构成，带著一种老派、朴实的氛围——它不像一首「精心设计的流行歌」，更像两个乐团在彼此试探时，自然而然流淌出来的声音。这种「不设防」的状态，后来成為整张《AAA》的基调。 但写歌营只是起点。接下来的一年，两团并非天天腻在一起，而是採取了「远端交换档案」的方式：有人在首尔丢一个demo过去，台北那边加一点东西，再传回来；有时候他们跑到朋友家裡，那个人堆了满屋的合成器，国国和吴赫就在那裡jam出了〈Antenna〉的编曲。就像国国说的：「我们有四首歌是在加平的jam session裡做出来的，另外八首是透过网路交换档案完成的——方法很多样。」 十个人一起做专辑，最大的挑战是什麼？不是编曲，不是乐器，而是歌词。 「我们都喜欢一层一层叠声音的做法，人越多，能推的层次就越远。」国国解释，「但问题是，我们写demo的时候，通常会随口哼一些没有意义的音节，然后就对那些声音產生了感情。等到要写正式歌词的时候就很头痛——你得找到意思对、而且原本那个旋律flow也对的词。」 这也是為什麼《AAA》的歌词语言很特别：英文、中文、韩文交织，有时候甚至很「鬆」，不是那种一针见血的歌词，而是留出很多空间让听者自己填进去。比如唯一一首全中文填词的〈Antenna〉，吴赫和国国的诗作风格其实很像——都不会把意思说死，而是用模糊的意象，让每个人听出自己的故事。 03 逐曲拆解：《AAA》八首歌的创作密码 《AAA》一共八首歌，每一首都像一块拼图，各自承载著两团碰撞的不同面向。以下是逐曲解析： 〈Kite War〉——一切的起点 作為专辑开场，〈Kite War〉的意义不在於「最好听」，而在於它是整个合作计画的催化剂。两个和弦、五分鐘的即兴，就这样把十个人拉到了同一条船上。它的听感非常放鬆，甚至有点懒洋洋——就像刚认识的朋友，在午后的阳光下随便弹弹吉他，没有压力，也没有目的。 〈Y〉——两种声音的第一次正式对话 如果说〈Kite War〉是「试探」，〈Y〉就是「正式开始对话」。这首歌裡你可以明显听到HYUKOH的节奏感与落日飞车的旋律感如何交织在一起——吴赫的声音带著一点沙哑的质地，国国的声音则温暖而慵懒，两种声线并排的时候，不谁抢谁，而是像两条河交汇。 〈Antenna〉——唯一的中文歌，也是最诗意的一首 〈Antenna〉是整张专辑唯一一首全中文填词的歌曲，也是后来拿下第36届金曲奖最佳MV的作品。它的歌词围绕著「接收讯号」「宇宙」「遥远的呼唤」展开：从月亮、从天空、从某个未知的地方，我们不断发射和接收著细微的电波。 这首歌的MV由导演rafhoo执导，更邀请到许光汉与竇靖童主演，讲述一段关於「连结」与「疏离」的故事。柔软的人声、梦幻的旋律序列，把语言的界线整个融化掉——即使你听不懂中文，也能感受到那种遥远的、电波一般的悸动。 〈Glue〉——专辑主打，自然裡的爱 〈Glue〉是这张专辑的主打歌。精巧转折的和弦行进，配上简单浪漫的歌词，形成一种奇妙的对比——音乐很「讲究」，歌词却很直接。MV导演DQM為了这首歌，特别飞到柬埔寨拍摄，画面裡是经年累月互相缠绕生长的树木——那种「自然裡蕴含的爱」，就是「Glue」这个歌名的由来：把两个东西黏在一起的，有时候不是胶水，而是时间。 〈Young Man〉——对青春的告别与对未来的焦虑 〈Young Man〉是专辑的先行单曲，也是情绪最复杂的一首。它的旋律明亮、乐观，听起来像一首朝气蓬勃的青春进行曲；但歌词却在讲「活下去」「挣扎」「对未来的不确定」「告别年轻」。 这种「音乐很开心、歌词很悲伤」的矛盾，正是这首歌最动人的地方。它像极了我们这个时代的年轻人：表面上笑嘻嘻，心裡其实在焦虑未来；一边说「我们不回头」，一边还在与过去和解。MV由一位老人与《AAA》全体成员共同出演，用SF风格的画面，讲述「HYUKOH与落日飞车的下一个篇章」——或者更遥远的未来。 〈Do Nothing〉——Bossa Nova的共通语言 〈Do Nothing〉从一开始就定调在Bossa Nova的氛围裡，这是国国在demo阶段就决定好的方向。两团都认為，Bossa Nova是他们最适合合作的乐风——落日飞车第一张专辑直接就叫《Bossa Nova》，而HYUKOH在上一张《through love》中也用自己的美学演绎过巴西的爵士氛围。 於是〈Do Nothing〉就像一场两个老朋友的午后对谈：不需要说太多话，光是那种鬆弛的节奏、慵懒的吉他、一点点沙哑的人声，就足够让人放鬆下来。歌名「Do Nothing」本身就是一种态度——有时候什麼都不做，就是最好的事。 〈Aaaannnnteeeeennnaaaaaa〉——即兴的延伸 这首歌的名字本身就是一个玩笑——把〈Antenna〉的音节拉长，像在喊一个很长很长的名字。它更像是〈Antenna〉的即兴延伸版本，一种实验性的、迷幻的、让人漂浮的声音织体。如果你喜欢落日飞车那种「让人陷入梦境」的时刻，这首歌会是你的最爱。 〈Citizen Kane〉——向经典电影致敬 最后一首〈Citizen Kane〉，以奥逊·威尔斯的经典电影《大国民》為名，本身就带著一种「时代总结」的意味。它把前面七首歌的所有元素——Bossa Nova的鬆弛、摇滚的节奏、合成器的梦幻、人声的对话——全部收进来，像一场即将结束的派对，大家最后一起合唱著、回顾著过去一年的旅程。 04 视觉与美学：专辑封面、MV与亚洲认同 《AAA》不只是一张音乐专辑，它的视觉设计同样值得好好说一说。 专辑封面由首尔出身的设计师Na Kim操刀。她在受访时提到，当她接到这个案子、和吴赫聊起「这个时代的亚洲认同」时，第一个浮现的画面，是多年前在纽约看到的一块中餐厅招牌。那种东方字体与西方排版混合的、有点朴素又有点奇特的视觉，正是她想在《AAA》封面上传达的东西——不是纯粹的「韩国」或「台湾」，而是一种游走在多个文化之间的、曖昧的亚洲身分。 [图片] 图3：《AAA》专辑封面，山顶上坐著一群人，远方是云雾繚绕的山巔——像一场没有终点的旅程 封面的主视觉是一张照片：一群人穿著厚外套，坐在布满石块的山顶上，远方是云雾繚绕的山峰。它没有任何团员的脸——你看不到谁是落日飞车、谁是HYUKOH，只看到「一群人」在一起。这个画面本身就说明了一切：这不是两个乐团的联名，而是一个「共同体」的肖像。 而专辑名称「AAA」也有多重含义。它既是两个乐团名字的某种缩写（AAA的第一个A代表…？），也让人联想到「最高级」「最优质」的评级，更像是一种俏皮的自我介绍——「我们就是AAA等级的合作」。同时，AAA也是一个「没有国籍」的名字，你可以说它是英文、是韩文、是任何语言，就像这张专辑本身。 至於〈Antenna〉的MV，除了许光汉与竇靖童的卡司让人惊喜之外，导演rafhoo也因為这支作品拿下了第36届金曲奖最佳MV奖。MV用科幻的视觉语言，讲述两个人在不同的空间裡试图「接收」彼此的讯号——那种「明明很靠近、却又很遥远」的感受，正好是这个时代人与人之间关系的写照。 05 横越五万五千公里：AAA巡演与现场专辑 专辑发行之后，两团并没有让《AAA》停留在录音室层面，而是把它搬上了舞台——这就是后来的「AAA巡迴」。 这场巡演的足跡横跨多个城市，总里程数据说高达五万五千公里。对於听眾来说，现场版的《AAA》比录音室版更有力量：十个人同台，乐器一件一件叠上去，声音的织体变得无比丰富——落日飞车的萨克斯、HYUKOH的电吉他、双主唱的对话、全员合唱的副歌，那种「一群人在一起」的温度，是耳机很难完全传递的。 2025年5月6日，他们进一步发行了《AAA (LIVE)》现场专辑，数位收录了巡演的精选曲目；6月则推出了实体的2CD+Blu-ray版本，完整收录30首演出曲目，以及2024年首尔公演的实况影像。这份「现场档案」不仅是给乐迷的圣诞礼物，更是《AAA》这个计画的完整总结——从2023年加平的写歌营，到2024年专辑发行，再到2025年的巡演落幕，整个故事终於有了一个完整的句点。 2025年8月，他们还登上了韩国Pentaport Rock Festival的舞台，把《AAA》的歌曲带到更大的户外摇滚节现场。而在台湾，HYUKOH也在同年8月登上「潮台北」活动，与台湾乐迷近距离见面——这场跨海峡的音乐友谊，终於也在现场找到了彼此的听眾。 06 亚洲独立音乐的新范式：為什麼《AAA》重要 说到底，《AAA》的意义远远超出「两个乐团合作」这件事本身。 过去我们习惯把亚洲的独立音乐分成一块一块的：台湾的、韩国的、日本的、香港的……每个场景有自己的听眾、自己的脉络、自己的语言。但《AAA》证明了一件事：这些边界，其实是可以被音乐打破的。 落日飞车用英文唱著台北的浪漫，HYUKOH用中英韩三语唱著首尔的青春——但当他们站在一起的时候，没有人会问「这是台湾歌还是韩国歌」，你只会知道「这是一首好听的歌」。那种「亚洲音乐共同体」的想像，过去可能只是一个口号，但在《AAA》裡，它变成了可以听到、可以摸到、可以跟著摇摆的真实声音。 这也是為什麼国国在访谈中说了一句很动人的话：「如果我们只是热爱音乐，就不会有那些奇怪的大牌问题。」意思是，当你把音乐放在第一位的时候，什麼国籍、什麼流量、什麼市场，都会退到后面去。剩下的，就是十个人、几件乐器、和一个共同的晚上。 《AAA》不是完美的——它有实验性的尝试，也有一些比较鬆散的段落；它不是那种每一首都是主打歌的专辑，而是一张「需要慢慢听」的作品。但正是这种「不完美的真实」，让它变得可爱。它不像一张精心计算的商业合作，更像一场朋友间的即兴聚会——而那种「在一起做音乐」的快乐，才是《AAA》最想传达的东西。 对於听眾来说，这张专辑的最佳打开方式，或许就是找一个放鬆的下午，把它从头到尾听一遍。你不需要懂乐理，也不需要分得清谁是谁的歌——你只需要让那种温暖的、有一点慵懒、又有一点兴奋的声音，把你包围起来。 就像封面裡那群坐在山顶上的人：他们也许不知道远方是什麼，但他们知道，此刻他们在一起。