情感好文 朴圭瑛从延世高材生到演艺新星的璀璨征程 观心自在 8 12 月, 2024 分享文章: 在 Facebook 分享 在 X (Twitter) 分享 在 Reddit 分享 在 WhatsApp 分享 在 Flipboard 分享 複製至剪貼簿
在当今竞争激烈的影视界,总有一些新星如划破夜空的流星般闪耀登场,朴圭瑛便是其中一颗正散发着独特光芒的璀璨之星。随着近期在 Netflix 排行榜上荣登榜首的《绝世网红》热度爆棚,饰演女主角 “徐雅莉” 的朴圭瑛迅速成为大众瞩目的焦点,其 IG 粉丝数量也如同火箭般蹿升,在短时间内突破了 200 万大关,这一惊人的涨粉速度足以证明她的超高人气。然而,这位一夜爆红的女演员背后,究竟有着怎样不为人知的故事和独特魅力呢?让我们一同深入探寻。 一、演艺之路的起点:机遇与学业的双重抉择 1993 年,朴圭瑛出生于韩国釜山这座充满活力的城市。自幼,她便拥有一张令人过目难忘的精致脸蛋,那小巧的巴掌脸,笑起来时甜度瞬间爆表,仿佛能驱散世间所有阴霾。在她就读延世大学一年级之际,一次偶然的机会降临。当时,她参与了《大学明日》杂志封面的拍摄,或许是命运的巧妙安排,青涩纯真的她被 JYP 娱乐公司的星探一眼相中,如同发现了一颗未经雕琢的璞玉,随即被签下成为练习生。这次意义非凡的拍摄经历,宛如一把神奇的钥匙,为她缓缓开启了演艺世界的大门。 延世大学,作为韩国顶尖学府之一,其学业压力可想而知,升学竞争更是异常激烈。然而,朴圭瑛却展现出了令人钦佩的平衡能力。在学生与演员这两个截然不同的角色之间,她如同一位技艺娴熟的杂技演员,稳稳地走在钢丝之上,完美地兼顾了学业与事业。在完成学业后,她毅然决然地选择全身心投入演艺事业,坚定地朝着自己的梦想前行。这段从女大学生被星探发掘的经历,恰似一部精彩电影的开篇序幕,为她后续的演艺人生奠定了坚实的基础。 二、演艺事业的逐步崛起:厚积薄发的成长历程 朴圭瑛的演艺事业并非一帆风顺,而是一路低调前行,默默积累。尽管她曾参演多部大热韩剧,如同一颗颗璀璨的明珠镶嵌在她的演艺履历之上,但遗憾的是,这些作品并未在初期为她带来与之相匹配的超高人气。她就像一位在演艺道路上默默耕耘的行者,一步一个脚印,踏踏实实地前行。 直到 2020 年,她在《虽然是精神病但没关系》中饰演护士 “南朱里”,凭借细腻入微的演技,成功地吸引了观众的目光,真正开始在演艺界崭露头角。此后,在《Sweet Home》中,她饰演那个手持棒球棒勇敢无畏的女孩 “尹智秀”,其出色的表现更是让人眼前一亮。而在《达利和马铃薯汤》中,她首次担纲女主角,便一举斩获 KBS 演技大赏的 “女子新人奖”,这无疑是对她演技的高度认可和巨大肯定。由于她频繁出演 Netflix 影剧,近日更是被网友亲切地称作 “Netflix 的女儿”,这一称号也从侧面反映出她在 Netflix 平台上的重要地位和影响力。不仅如此,未来她还将参与《鱿鱼游戏》第二季、《Sweet Home》二、三季等备受期待的作品演出,种种迹象表明,朴圭瑛的成名之路正如旭日东升,光芒万丈,才刚刚拉开精彩的大幕。 三、角色背后的努力与坚持:对演艺事业的敬畏之心 尽管一夜之间收获了众多粉丝的喜爱和新的称号,但朴圭瑛始终保持着那份难能可贵的谦虚与低调。在接受采访时,面对 “Netflix 女儿” 这一称呼,她谦逊地予以否认:“女儿还不是吧!” 然而,对于能够被更多观众所熟知和认可,她内心无疑充满了感激:“如果能透过 Netflix 经常被大家看到的话,我会非常感激的。” 在她沉稳的外表之下,隐藏着一颗对演艺事业充满热忱且无比努力的心。 为了拍摄《Sweet Home》,从未接触过贝斯的朴圭瑛毅然决然地投入到长达三个月的刻苦练习之中。她深知,“尹智秀” 这个角色对贝斯有着深厚的情感寄托,为了能够完美诠释角色,她给自己设定了极高的要求 —— 必须独自弹完一首歌,坚决拒绝使用配音。在音乐领域之外,为了饰演好手持棒球棒打怪的角色,她从零开始学习棒球挥棒技巧。她不辞辛劳地去打虚拟棒球,在屏幕前一遍又一遍地反复练习挥棒姿势,力求每一个动作都精准到位、自然流畅。她对工作的认真负责态度,以及面对突如其来的人气时的谦虚低调,宛如一盏明灯,照亮了她在演艺道路上不断前行的方向,也为同行树立了良好的榜样。 四、独特的个人魅力:多面的朴圭瑛 (一)发型时尚:短发造型的个性诠释者 在《绝世网红》中,朴圭瑛的招牌 “无层次短发” 无疑成为了全剧的一大亮点。那一头齐刘海搭配下巴长度的直短发,看似甜美乖巧,实则个性张扬,仿佛在一众华丽造型的网红世界中独树一帜,叛逆而又独特,成功地在观众心中留下了深刻的印象。令人意想不到的是,这一别具一格的短发造型竟然源自朴圭瑛自己的创意灵感。她曾表示:“因为其他演员的造型都很华丽,我想让短发给徐雅莉打造出属于自己的独特标志。” 为了确保在拍摄期间每一个画面都能呈现出完美的效果,朴圭瑛对发型的要求可谓精益求精。她每隔 10 天就会前往理发店修剪头发,哪怕仅仅只有 1mm 的细微差异,她也绝不放过。因为她深知,在镜头前,每一个细节都关乎着角色形象的塑造和观众的视觉感受。抛开剧中造型,浏览朴圭瑛的 IG 便能发现,在她的日常生活中,短发照片占据了绝大多数。无论是清爽利落的无层次短发,还是更加干练帅气的 “小男孩短发”,她都能轻松驾驭,展现出截然不同的时尚魅力,仿佛每一种短发造型都是她个性的独特表达。 (二)艺术爱好:芭蕾与皮拉提斯的优雅修行者 凡是看过朴圭瑛演戏的观众,想必都会被她在剧中所散发出来的那一丝端庄优雅的独特气质所吸引。而这股如兰般的优雅气质,很大程度上得益于她多年来对芭蕾的热爱与坚持。自小对艺术充满浓厚兴趣的朴圭瑛,除了在演艺事业上奋力拼搏之外,芭蕾成为了她心灵的另一片栖息之所。她时常在 IG 上分享自己练习芭蕾的美照,照片中的她身着洁白的芭蕾舞裙,身姿轻盈,翩翩起舞,大秀令人艳羡的好身材。她那一双修长笔直的傲人长腿,柔软如丝带般的筋骨以及纤细匀称的四肢,在每一个舞蹈动作中都展现得淋漓尽致。无论是高难度的高抬腿动作,还是极具挑战性的劈腿姿势,她都能信手拈来,游刃有余。 学习芭蕾不仅仅是为了塑造优美的身姿,更重要的是它对身体体态的全方位塑造和提升。芭蕾能够有效改善驼背、僵硬四肢等常见的体态问题,如同一位神奇的体态魔法师,将身体的每一处线条都雕琢得恰到好处。同时,通过芭蕾的训练,还能强化核心肌群,使身体更加稳定有力,从而塑造出优雅美丽的身体线条。 除了芭蕾之外,朴圭瑛还热衷于 “器械皮拉提斯” 这种时尚的健身方式。借助器械的辅助,她能够更加精准地锻炼特定部位,从而打造出修长紧致的四肢和富有弹性的紧实肌肉。从她分享的健身过程中,我们不难看出她超强的核心力量,每一个动作都充满了力量感与协调性,这也充分体现了她对自身身材管理的高度重视和不懈努力。 (三)妆容风格:素净自然的清新倡导者 当朴圭瑛离开剧中那些光彩夺目的华丽造型,回归到日常生活中时,她的妆容风格则呈现出一种截然不同的清新自然之美。她毫不畏惧地素颜出镜,而即便没有化妆的修饰,她那拥有良好肤质的肌肤依然能够散发着健康亮泽的光芒,仿佛自带一层天然的滤镜。这种天生丽质的肌肤状态,无疑是她多年来注重保养和健康生活方式的最好见证。 而当她选择化妆时,其妆容风格也始终遵循着简单、清新的原则。她大多会选用大地色眼影,轻轻涂抹于眼睑之上,营造出自然深邃的眼部轮廓;搭配裸色系的雾面口红,低调而又优雅,为双唇增添一份自然的光泽与质感;再辅以粉嫩的腮红晕染于脸颊两侧,如同春日里盛开的桃花,为整个妆容注入了一丝甜美与活力。她清新妆容的秘诀之一在于 “晕染唇妆” 这一独特技巧。仔细观察便会发现,朴圭瑛的口红并非有着清晰明显的边界,而是通过巧妙的晕染方式,在涂抹时刻意往外晕染,使嘴唇看上去更加丰满性感,同时又不失甜美可爱的气息,给人一种既清纯又略带一丝妩媚的独特感觉,这种独特的妆容风格也与她整体的清新形象相得益彰。 朴圭瑛,这位集颜值、才华、努力与独特魅力于一身的女演员,正凭借着《绝世网红》这部作品的东风,在演艺道路上飞速前行。她的故事才刚刚开始,未来还有无数的精彩等待着她去书写,也让我们满怀期待地关注她在演艺生涯中更多的精彩表现,见证她如何在星光璀璨的娱乐圈中绽放出更加耀眼的光芒。 上一 文章 咖啡健康宝藏的深度揭秘,远超提神的神奇饮品 下一 文章 星巴克台湾特色门店咖啡香韵中的多元文化之旅 發佈留言取消回覆發佈留言必須填寫的電子郵件地址不會公開。 必填欄位標示為 * 名稱 * 電子郵件 * 網站 新增留言 * 將我的姓名、電子郵件和網站保存在此瀏覽器中,以便下次留言時使用。發佈留言
跨过海峡的浪漫共鸣:落日飞车×HYUKOH《AAA》如何写下亚洲独立音乐的新范式 一场横跨五年的友谊、十人的即兴实验、八首凝练的作品,以及一个关於「亚洲音乐共同体」的大胆想像 [图片] 图1:《AAA》专辑数位封面,由设计师 Na Kim 操刀,灵感来自一张多年前在纽约见到的中餐厅招牌 2024年7月10日,对於亚洲独立音乐迷来说是一个值得标註的日子。台湾的落日飞车(Sunset Rollercoaster)与韩国的HYUKOH(혁오),这两个在各自国家都已是「殿堂级」的独立乐团,正式发表了名為《AAA》的合作专辑。这不是一张简单的「客串合作」,而是两团十人编制、耗时一年、从加平到首尔再到济州反覆碰撞出来的完整作品。 在这张专辑发行之前,落日飞车已经以《SOFT STORM》拿下金曲奖最佳乐团、登上Coachella舞台;HYUKOH则是从弘大地下场景一路走到国内外大场馆,主唱吴赫(OHHYUK)更是华语乐圈也熟悉的名字。当两个同样在国际市场闯出名号、却又各自带著浓厚本土印记的乐团决定「在一起做一张专辑」,这件事本身就已经足够让人好奇——他们会做出什麼? 答案是《AAA》。八首歌、三十九分鐘,一张让人耳边一亮、循环播放率极高的作品。它既不是「落日飞车的歌加一点HYUKOH的味道」,也不是反过来;它试图撞出第三种原本不存在的声音,一个属於「亚洲」的、不被地域标籤限制的声音。 01 两个传奇乐团的相遇:从台北到首尔的音乐轨跡 要理解《AAA》為什麼特别,得先认识这两个乐团各自是谁。 落日飞车,2011年成立於台北,现任团员包括主唱兼吉他手曾国宏(国国)、贝斯手陈弘礼、鼓手罗尊龙、键盘手王少轩(小甘)与萨克斯/打击乐手黄浩庭。他们的音乐常被形容為「热带的」「浪漫的」「复古的」——Bossa Nova、City Pop、Soft Rock、迷幻爵士的元素揉在一起,国国那种慵懒迷离的英文嗓音,配上萨克斯与合成器的织体,让人一听就联想到台北傍晚的暖风、霓虹灯下的街景,或者一场不急不徐的午后罗曼史。 落日飞车的路并非一开始就顺遂。2011年他们发行第一张专辑《Bossa Nova》后曾经解散,直到2015年前后国国重组乐团,加入了萨克斯与更多编制,才慢慢在华语独立音乐场景站稳脚步。2016年的EP《Jinji Kikko》、2018年的《Cassa Nova》、2020年的《SOFT STORM》,一张比一张成熟,最终在2021年以《SOFT STORM》拿下第32届金曲奖最佳乐团,并陆续登上Coachella、Fuji Rock等国际音乐节,成為台湾独立音乐「国际化」的代表乐团之一。 [图片] 图2:落日飞车团员,五人编制带来丰富的编织感(资料图) HYUKOH,2014年成立於首尔弘大,由主唱吴赫、吉他手林贤帝、贝斯手任童健、鼓手李仁雨四人组成。吴赫的成长背景很特别——他出生於韩国,五个月大就随父母到中国,在延吉、北京等城市长大,直到高中才回到韩国。这段经歷让他的音乐带有一种超越国界的气质:歌词中英文夹杂、旋律裡有英式摇滚的鬆弛、R&B的温暖,还有一点亚洲都市的曖昧。 HYUKOH在韩国的窜红速度几乎是传奇等级。2014年以EP《20》出道,靠著口碑慢慢累积听眾;2015年因為参加MBC综艺节目《无限挑战》的「岭东高速公路歌谣祭」,与郑亨敦组成「远京少年」组合,一夜之间成為国民乐团。此后他们不断突破:2017年的正规专辑《23》全程在柏林录音,裡面那首全中文的〈Wanli万里〉,八句简单大气的中文歌词搭配蒙古草原的MV,至今仍是许多华语乐迷认识HYUKOH的入口。2020年的《through love》则进一步实验Bossa Nova、电子与世界音乐的融合。 两个乐团的渊源比多数人想像的更早。2020年,落日飞车曾经為HYUKOH的〈Help〉製作过Remake版本,收录在《through love REMIX》EP中;同一年,吴赫也客串了落日飞车的歌曲〈Candlelight〉。那时候两团只是「互相欣赏的朋友」,谁也没想到几年后他们会走进同一个录音室,做出一张完整的合作专辑。 02 加平写歌营:一场十人编制的即兴实验 2023年5月,两团在首尔再度相聚。这一次,他们决定做一件更大胆的事——一起写歌。 地点选在京畿道加平郡的Music Village 1939,一个远离都市喧嚣的音乐创作营。十个人挤在同一个空间裡,没有预设歌单、没有明确分工,就是把乐器拿出来,开始即兴。第一首冒出来的歌,就是后来成為专辑开场曲的〈Kite War〉。 关於这首歌的诞生,国国后来在访谈中回忆:「我们即兴了大概五分鐘,我立刻就知道,这首歌可以完成。」〈Kite War〉的编曲大部分只由两个和弦构成,带著一种老派、朴实的氛围——它不像一首「精心设计的流行歌」,更像两个乐团在彼此试探时,自然而然流淌出来的声音。这种「不设防」的状态,后来成為整张《AAA》的基调。 但写歌营只是起点。接下来的一年,两团并非天天腻在一起,而是採取了「远端交换档案」的方式:有人在首尔丢一个demo过去,台北那边加一点东西,再传回来;有时候他们跑到朋友家裡,那个人堆了满屋的合成器,国国和吴赫就在那裡jam出了〈Antenna〉的编曲。就像国国说的:「我们有四首歌是在加平的jam session裡做出来的,另外八首是透过网路交换档案完成的——方法很多样。」 十个人一起做专辑,最大的挑战是什麼?不是编曲,不是乐器,而是歌词。 「我们都喜欢一层一层叠声音的做法,人越多,能推的层次就越远。」国国解释,「但问题是,我们写demo的时候,通常会随口哼一些没有意义的音节,然后就对那些声音產生了感情。等到要写正式歌词的时候就很头痛——你得找到意思对、而且原本那个旋律flow也对的词。」 这也是為什麼《AAA》的歌词语言很特别:英文、中文、韩文交织,有时候甚至很「鬆」,不是那种一针见血的歌词,而是留出很多空间让听者自己填进去。比如唯一一首全中文填词的〈Antenna〉,吴赫和国国的诗作风格其实很像——都不会把意思说死,而是用模糊的意象,让每个人听出自己的故事。 03 逐曲拆解:《AAA》八首歌的创作密码 《AAA》一共八首歌,每一首都像一块拼图,各自承载著两团碰撞的不同面向。以下是逐曲解析: 〈Kite War〉——一切的起点 作為专辑开场,〈Kite War〉的意义不在於「最好听」,而在於它是整个合作计画的催化剂。两个和弦、五分鐘的即兴,就这样把十个人拉到了同一条船上。它的听感非常放鬆,甚至有点懒洋洋——就像刚认识的朋友,在午后的阳光下随便弹弹吉他,没有压力,也没有目的。 〈Y〉——两种声音的第一次正式对话 如果说〈Kite War〉是「试探」,〈Y〉就是「正式开始对话」。这首歌裡你可以明显听到HYUKOH的节奏感与落日飞车的旋律感如何交织在一起——吴赫的声音带著一点沙哑的质地,国国的声音则温暖而慵懒,两种声线并排的时候,不谁抢谁,而是像两条河交汇。 〈Antenna〉——唯一的中文歌,也是最诗意的一首 〈Antenna〉是整张专辑唯一一首全中文填词的歌曲,也是后来拿下第36届金曲奖最佳MV的作品。它的歌词围绕著「接收讯号」「宇宙」「遥远的呼唤」展开:从月亮、从天空、从某个未知的地方,我们不断发射和接收著细微的电波。 这首歌的MV由导演rafhoo执导,更邀请到许光汉与竇靖童主演,讲述一段关於「连结」与「疏离」的故事。柔软的人声、梦幻的旋律序列,把语言的界线整个融化掉——即使你听不懂中文,也能感受到那种遥远的、电波一般的悸动。 〈Glue〉——专辑主打,自然裡的爱 〈Glue〉是这张专辑的主打歌。精巧转折的和弦行进,配上简单浪漫的歌词,形成一种奇妙的对比——音乐很「讲究」,歌词却很直接。MV导演DQM為了这首歌,特别飞到柬埔寨拍摄,画面裡是经年累月互相缠绕生长的树木——那种「自然裡蕴含的爱」,就是「Glue」这个歌名的由来:把两个东西黏在一起的,有时候不是胶水,而是时间。 〈Young Man〉——对青春的告别与对未来的焦虑 〈Young Man〉是专辑的先行单曲,也是情绪最复杂的一首。它的旋律明亮、乐观,听起来像一首朝气蓬勃的青春进行曲;但歌词却在讲「活下去」「挣扎」「对未来的不确定」「告别年轻」。 这种「音乐很开心、歌词很悲伤」的矛盾,正是这首歌最动人的地方。它像极了我们这个时代的年轻人:表面上笑嘻嘻,心裡其实在焦虑未来;一边说「我们不回头」,一边还在与过去和解。MV由一位老人与《AAA》全体成员共同出演,用SF风格的画面,讲述「HYUKOH与落日飞车的下一个篇章」——或者更遥远的未来。 〈Do Nothing〉——Bossa Nova的共通语言 〈Do Nothing〉从一开始就定调在Bossa Nova的氛围裡,这是国国在demo阶段就决定好的方向。两团都认為,Bossa Nova是他们最适合合作的乐风——落日飞车第一张专辑直接就叫《Bossa Nova》,而HYUKOH在上一张《through love》中也用自己的美学演绎过巴西的爵士氛围。 於是〈Do Nothing〉就像一场两个老朋友的午后对谈:不需要说太多话,光是那种鬆弛的节奏、慵懒的吉他、一点点沙哑的人声,就足够让人放鬆下来。歌名「Do Nothing」本身就是一种态度——有时候什麼都不做,就是最好的事。 〈Aaaannnnteeeeennnaaaaaa〉——即兴的延伸 这首歌的名字本身就是一个玩笑——把〈Antenna〉的音节拉长,像在喊一个很长很长的名字。它更像是〈Antenna〉的即兴延伸版本,一种实验性的、迷幻的、让人漂浮的声音织体。如果你喜欢落日飞车那种「让人陷入梦境」的时刻,这首歌会是你的最爱。 〈Citizen Kane〉——向经典电影致敬 最后一首〈Citizen Kane〉,以奥逊·威尔斯的经典电影《大国民》為名,本身就带著一种「时代总结」的意味。它把前面七首歌的所有元素——Bossa Nova的鬆弛、摇滚的节奏、合成器的梦幻、人声的对话——全部收进来,像一场即将结束的派对,大家最后一起合唱著、回顾著过去一年的旅程。 04 视觉与美学:专辑封面、MV与亚洲认同 《AAA》不只是一张音乐专辑,它的视觉设计同样值得好好说一说。 专辑封面由首尔出身的设计师Na Kim操刀。她在受访时提到,当她接到这个案子、和吴赫聊起「这个时代的亚洲认同」时,第一个浮现的画面,是多年前在纽约看到的一块中餐厅招牌。那种东方字体与西方排版混合的、有点朴素又有点奇特的视觉,正是她想在《AAA》封面上传达的东西——不是纯粹的「韩国」或「台湾」,而是一种游走在多个文化之间的、曖昧的亚洲身分。 [图片] 图3:《AAA》专辑封面,山顶上坐著一群人,远方是云雾繚绕的山巔——像一场没有终点的旅程 封面的主视觉是一张照片:一群人穿著厚外套,坐在布满石块的山顶上,远方是云雾繚绕的山峰。它没有任何团员的脸——你看不到谁是落日飞车、谁是HYUKOH,只看到「一群人」在一起。这个画面本身就说明了一切:这不是两个乐团的联名,而是一个「共同体」的肖像。 而专辑名称「AAA」也有多重含义。它既是两个乐团名字的某种缩写(AAA的第一个A代表…?),也让人联想到「最高级」「最优质」的评级,更像是一种俏皮的自我介绍——「我们就是AAA等级的合作」。同时,AAA也是一个「没有国籍」的名字,你可以说它是英文、是韩文、是任何语言,就像这张专辑本身。 至於〈Antenna〉的MV,除了许光汉与竇靖童的卡司让人惊喜之外,导演rafhoo也因為这支作品拿下了第36届金曲奖最佳MV奖。MV用科幻的视觉语言,讲述两个人在不同的空间裡试图「接收」彼此的讯号——那种「明明很靠近、却又很遥远」的感受,正好是这个时代人与人之间关系的写照。 05 横越五万五千公里:AAA巡演与现场专辑 专辑发行之后,两团并没有让《AAA》停留在录音室层面,而是把它搬上了舞台——这就是后来的「AAA巡迴」。 这场巡演的足跡横跨多个城市,总里程数据说高达五万五千公里。对於听眾来说,现场版的《AAA》比录音室版更有力量:十个人同台,乐器一件一件叠上去,声音的织体变得无比丰富——落日飞车的萨克斯、HYUKOH的电吉他、双主唱的对话、全员合唱的副歌,那种「一群人在一起」的温度,是耳机很难完全传递的。 2025年5月6日,他们进一步发行了《AAA (LIVE)》现场专辑,数位收录了巡演的精选曲目;6月则推出了实体的2CD+Blu-ray版本,完整收录30首演出曲目,以及2024年首尔公演的实况影像。这份「现场档案」不仅是给乐迷的圣诞礼物,更是《AAA》这个计画的完整总结——从2023年加平的写歌营,到2024年专辑发行,再到2025年的巡演落幕,整个故事终於有了一个完整的句点。 2025年8月,他们还登上了韩国Pentaport Rock Festival的舞台,把《AAA》的歌曲带到更大的户外摇滚节现场。而在台湾,HYUKOH也在同年8月登上「潮台北」活动,与台湾乐迷近距离见面——这场跨海峡的音乐友谊,终於也在现场找到了彼此的听眾。 06 亚洲独立音乐的新范式:為什麼《AAA》重要 说到底,《AAA》的意义远远超出「两个乐团合作」这件事本身。 过去我们习惯把亚洲的独立音乐分成一块一块的:台湾的、韩国的、日本的、香港的……每个场景有自己的听眾、自己的脉络、自己的语言。但《AAA》证明了一件事:这些边界,其实是可以被音乐打破的。 落日飞车用英文唱著台北的浪漫,HYUKOH用中英韩三语唱著首尔的青春——但当他们站在一起的时候,没有人会问「这是台湾歌还是韩国歌」,你只会知道「这是一首好听的歌」。那种「亚洲音乐共同体」的想像,过去可能只是一个口号,但在《AAA》裡,它变成了可以听到、可以摸到、可以跟著摇摆的真实声音。 这也是為什麼国国在访谈中说了一句很动人的话:「如果我们只是热爱音乐,就不会有那些奇怪的大牌问题。」意思是,当你把音乐放在第一位的时候,什麼国籍、什麼流量、什麼市场,都会退到后面去。剩下的,就是十个人、几件乐器、和一个共同的晚上。 《AAA》不是完美的——它有实验性的尝试,也有一些比较鬆散的段落;它不是那种每一首都是主打歌的专辑,而是一张「需要慢慢听」的作品。但正是这种「不完美的真实」,让它变得可爱。它不像一张精心计算的商业合作,更像一场朋友间的即兴聚会——而那种「在一起做音乐」的快乐,才是《AAA》最想传达的东西。 对於听眾来说,这张专辑的最佳打开方式,或许就是找一个放鬆的下午,把它从头到尾听一遍。你不需要懂乐理,也不需要分得清谁是谁的歌——你只需要让那种温暖的、有一点慵懒、又有一点兴奋的声音,把你包围起来。 就像封面裡那群坐在山顶上的人:他们也许不知道远方是什麼,但他们知道,此刻他们在一起。12 10 月, 2026