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李小冉：岁月沉淀下的随性真我，从〈庆余年 2〉长公主到生活 “艺术家”

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在演艺圈这个光怪陆离、充满喧嚣与纷争的舞台上，李小冉宛如一朵遗世独立的幽兰，于 48 岁的人生节点，绽放着独属于自己的馥郁芬芳。她穿梭于不同角色之间，在荧幕上演绎百态人生，而在生活的幕后，却将日子过成了一首悠然自得的田园诗，随性洒脱、肆意畅快，以自己的节奏书写着 “岁月静好，现世安稳” 的美好篇章，尤其是在《庆余年 2》中惊艳回归饰演 “长公主” 李云睿，更是成为观众瞩目的焦点，背后藏着诸多值得深挖的故事与处世哲学。

一、《庆余年》之缘：三度拒演终成经典 “坏美人”
《庆余年》这部爆款剧集，犹如一座宝藏，吸引着无数演员竞折腰，可李小冉与其中 “长公主” 一角的结缘，却充满波折。起初，她三度婉拒出演，理由直白且坦诚 ——“这角色就是个神经病”，李云睿的心狠手辣、乖张疯狂，超出了她对常规角色 “善恶边界” 的认知。然而，编剧的诚意与巧思，为角色添上 “与女儿林婉儿温情互动” 的笔墨，恰似在冷峻冰山上开凿出一道暖流，触动了李小冉，让她决定接下挑战。
这一接，便是演艺生涯浓墨重彩的一笔。首次涉足反派领域，李小冉有着自己的 “艺术坚持”，她摒弃靠妆容黑化、流于表面的表演套路，力求塑造一个 “有血有肉” 的坏人。在她眼中，单纯为恶只是浮于浅层，挖掘角色作恶背后的动机、情感挣扎，赋予其复杂人性，才能凸显善恶对比，让故事立得住、角色活起来。于是，我们看到了那位在权谋棋局中优雅穿梭，眼神时而妩媚、时而阴鸷，举手投足间尽显狠辣与疯狂，却又在面对女儿时流露出丝丝柔情的长公主，这一角色成为荧幕经典反派，见证着李小冉演技的 “破茧成飞”。
二、演艺之路：从舞蹈 “叛逃者” 到戏中百态人生 “观察者”
回溯往昔，李小冉毕业于北京舞蹈学院，这本是一条按部就班的艺术坦途，可命运的奇妙转折悄然降临。谈及学舞经历，她直言是 “被妈妈逼的”，年少的她在舞蹈练习中常感力不从心，那份骨子里的倔强与随性促使她在 20 岁时果敢 “跨界”，转身投入演艺行业。初入演艺圈，演戏于她更似一场 “游戏”，无关初心与抱负，只是随心随性之举。
多年来，从《像雾像雨又像风》里温婉可人的女子，到《大丈夫》中性格鲜明的角色，再到《庆余年》系列的 “长公主” 以及《三体》中的精彩演绎，李小冉作品颇丰，却总被贴上 “戏红人不红” 标签。她对此毫不在意，秉持 “接戏只凭喜好” 原则，不迎合流量、不热衷营业宣传，坚守内心艺术 “自留地”。随着岁月沉淀，演戏不再是谋生手段，而是洞察人生百态的窗口，她将生活感悟融入角色，在《今生有你》中细腻诠释单亲妈妈的坚韧与酸涩，在《庆余年》长公主身上挖掘母性温情，于戏中 “痛并快乐”，体悟表演真谛，舞台之下，却又能洒脱抽离，回归本真自我，这份自在与清醒，难能可贵。

三、爱情篇章：从波折寻爱到岁月静好感怀
李小冉的爱情之路，恰似一部跌宕起伏的言情剧，历经两段感情挫折，却始终怀揣对爱的期许。直到遇见相识 16 年的制作人陈佳宁，命运之轮悄然转向幸福彼岸。初次见面，没有偶像剧式的一见钟情，只是一顿饭的机缘，李小冉 “吃货” 本色尽显，给对方留下深刻印象，而她对陈佳宁，也莫名生出熟悉之感，仿若命中注定。
此后，陈佳宁以朋友身份默默陪伴，在李小冉人生低谷时伸出援手，这份情谊在岁月中沉淀、发酵，最终在布鲁塞尔修成正果。谈及婚姻秘诀，李小冉目光坚定，“相信自己，感情居次，自己才是首位”，她唾弃依附他人的姿态，倡导女性拥有独立事业、专属快乐与追求，凭借自信散发魅力，筑牢婚姻基石，与爱人携手，静享岁月流淌，书写平凡日子里的浪漫长卷。
四、生活美学：抗拒年龄枷锁，拥抱惬意日常
在这个被 “颜值焦虑”“年龄焦虑” 裹挟的时代，李小冉宛如一股清流，直言反感 “不老女神” 称号，认为那是禁锢自由的 “枷锁”。对她而言，演母亲角色并非难堪之事，而是演艺生涯自然进阶，她抨击社会一味追求青春永驻的病态风气，尊重生命自然循环，珍视每个年龄段独特风景，以坦然心态迎接岁月馈赠。
生活中的李小冉，深谙养生之道，燕窩、绿茶是她的 “美颜法宝”，前者滋补养颜，后者抗氧化、排毒解闷，从起初嫌泡茶繁琐到养成习惯，是对生活品质细腻追求的体现。追剧时分，她的宵夜选择也别具匠心，低脂鱼片、牛肉干补充蛋白质，橘子、小番茄富含维 C 且甜度适宜，腰果、开心果、杏仁等坚果快速赋能，在享受美味同时兼顾健康。
旅行与休闲时光，李小冉更是贯彻 “随遇而安” 理念，理想一天从睡到自然醒开场，无需计划，街边咖啡、发呆望天、偶遇博物馆探秘，皆为生活小确幸。远离喧嚣纷扰，切断电话、信息 “枷锁”，沉浸追剧时光，于细微处找寻快乐真谛，这般松弛生活态度，仿若为快节奏现代生活注入一剂 “解药”，令人心生向往。
李小冉用她的人生轨迹诠释着一种别样生活艺术，在表演舞台上雕琢经典，于生活画卷中勾勒自由随性轮廓，挣脱世俗束缚，成为独特且迷人的存在，让我们看到，岁月沉淀下，活得真实、自在、快乐，才是人生至美风景。

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War〉的编曲大部分只由两个和弦构成，带著一种老派、朴实的氛围——它不像一首「精心设计的流行歌」，更像两个乐团在彼此试探时，自然而然流淌出来的声音。这种「不设防」的状态，后来成為整张《AAA》的基调。 但写歌营只是起点。接下来的一年，两团并非天天腻在一起，而是採取了「远端交换档案」的方式：有人在首尔丢一个demo过去，台北那边加一点东西，再传回来；有时候他们跑到朋友家裡，那个人堆了满屋的合成器，国国和吴赫就在那裡jam出了〈Antenna〉的编曲。就像国国说的：「我们有四首歌是在加平的jam session裡做出来的，另外八首是透过网路交换档案完成的——方法很多样。」 十个人一起做专辑，最大的挑战是什麼？不是编曲，不是乐器，而是歌词。 「我们都喜欢一层一层叠声音的做法，人越多，能推的层次就越远。」国国解释，「但问题是，我们写demo的时候，通常会随口哼一些没有意义的音节，然后就对那些声音產生了感情。等到要写正式歌词的时候就很头痛——你得找到意思对、而且原本那个旋律flow也对的词。」 这也是為什麼《AAA》的歌词语言很特别：英文、中文、韩文交织，有时候甚至很「鬆」，不是那种一针见血的歌词，而是留出很多空间让听者自己填进去。比如唯一一首全中文填词的〈Antenna〉，吴赫和国国的诗作风格其实很像——都不会把意思说死，而是用模糊的意象，让每个人听出自己的故事。 03 逐曲拆解：《AAA》八首歌的创作密码 《AAA》一共八首歌，每一首都像一块拼图，各自承载著两团碰撞的不同面向。以下是逐曲解析： 〈Kite War〉——一切的起点 作為专辑开场，〈Kite War〉的意义不在於「最好听」，而在於它是整个合作计画的催化剂。两个和弦、五分鐘的即兴，就这样把十个人拉到了同一条船上。它的听感非常放鬆，甚至有点懒洋洋——就像刚认识的朋友，在午后的阳光下随便弹弹吉他，没有压力，也没有目的。 〈Y〉——两种声音的第一次正式对话 如果说〈Kite War〉是「试探」，〈Y〉就是「正式开始对话」。这首歌裡你可以明显听到HYUKOH的节奏感与落日飞车的旋律感如何交织在一起——吴赫的声音带著一点沙哑的质地，国国的声音则温暖而慵懒，两种声线并排的时候，不谁抢谁，而是像两条河交汇。 〈Antenna〉——唯一的中文歌，也是最诗意的一首 〈Antenna〉是整张专辑唯一一首全中文填词的歌曲，也是后来拿下第36届金曲奖最佳MV的作品。它的歌词围绕著「接收讯号」「宇宙」「遥远的呼唤」展开：从月亮、从天空、从某个未知的地方，我们不断发射和接收著细微的电波。 这首歌的MV由导演rafhoo执导，更邀请到许光汉与竇靖童主演，讲述一段关於「连结」与「疏离」的故事。柔软的人声、梦幻的旋律序列，把语言的界线整个融化掉——即使你听不懂中文，也能感受到那种遥远的、电波一般的悸动。 〈Glue〉——专辑主打，自然裡的爱 〈Glue〉是这张专辑的主打歌。精巧转折的和弦行进，配上简单浪漫的歌词，形成一种奇妙的对比——音乐很「讲究」，歌词却很直接。MV导演DQM為了这首歌，特别飞到柬埔寨拍摄，画面裡是经年累月互相缠绕生长的树木——那种「自然裡蕴含的爱」，就是「Glue」这个歌名的由来：把两个东西黏在一起的，有时候不是胶水，而是时间。 〈Young Man〉——对青春的告别与对未来的焦虑 〈Young Man〉是专辑的先行单曲，也是情绪最复杂的一首。它的旋律明亮、乐观，听起来像一首朝气蓬勃的青春进行曲；但歌词却在讲「活下去」「挣扎」「对未来的不确定」「告别年轻」。 这种「音乐很开心、歌词很悲伤」的矛盾，正是这首歌最动人的地方。它像极了我们这个时代的年轻人：表面上笑嘻嘻，心裡其实在焦虑未来；一边说「我们不回头」，一边还在与过去和解。MV由一位老人与《AAA》全体成员共同出演，用SF风格的画面，讲述「HYUKOH与落日飞车的下一个篇章」——或者更遥远的未来。 〈Do Nothing〉——Bossa Nova的共通语言 〈Do Nothing〉从一开始就定调在Bossa Nova的氛围裡，这是国国在demo阶段就决定好的方向。两团都认為，Bossa Nova是他们最适合合作的乐风——落日飞车第一张专辑直接就叫《Bossa Nova》，而HYUKOH在上一张《through love》中也用自己的美学演绎过巴西的爵士氛围。 於是〈Do Nothing〉就像一场两个老朋友的午后对谈：不需要说太多话，光是那种鬆弛的节奏、慵懒的吉他、一点点沙哑的人声，就足够让人放鬆下来。歌名「Do Nothing」本身就是一种态度——有时候什麼都不做，就是最好的事。 〈Aaaannnnteeeeennnaaaaaa〉——即兴的延伸 这首歌的名字本身就是一个玩笑——把〈Antenna〉的音节拉长，像在喊一个很长很长的名字。它更像是〈Antenna〉的即兴延伸版本，一种实验性的、迷幻的、让人漂浮的声音织体。如果你喜欢落日飞车那种「让人陷入梦境」的时刻，这首歌会是你的最爱。 〈Citizen Kane〉——向经典电影致敬 最后一首〈Citizen Kane〉，以奥逊·威尔斯的经典电影《大国民》為名，本身就带著一种「时代总结」的意味。它把前面七首歌的所有元素——Bossa Nova的鬆弛、摇滚的节奏、合成器的梦幻、人声的对话——全部收进来，像一场即将结束的派对，大家最后一起合唱著、回顾著过去一年的旅程。 04 视觉与美学：专辑封面、MV与亚洲认同 《AAA》不只是一张音乐专辑，它的视觉设计同样值得好好说一说。 专辑封面由首尔出身的设计师Na Kim操刀。她在受访时提到，当她接到这个案子、和吴赫聊起「这个时代的亚洲认同」时，第一个浮现的画面，是多年前在纽约看到的一块中餐厅招牌。那种东方字体与西方排版混合的、有点朴素又有点奇特的视觉，正是她想在《AAA》封面上传达的东西——不是纯粹的「韩国」或「台湾」，而是一种游走在多个文化之间的、曖昧的亚洲身分。 [图片] 图3：《AAA》专辑封面，山顶上坐著一群人，远方是云雾繚绕的山巔——像一场没有终点的旅程 封面的主视觉是一张照片：一群人穿著厚外套，坐在布满石块的山顶上，远方是云雾繚绕的山峰。它没有任何团员的脸——你看不到谁是落日飞车、谁是HYUKOH，只看到「一群人」在一起。这个画面本身就说明了一切：这不是两个乐团的联名，而是一个「共同体」的肖像。 而专辑名称「AAA」也有多重含义。它既是两个乐团名字的某种缩写（AAA的第一个A代表…？），也让人联想到「最高级」「最优质」的评级，更像是一种俏皮的自我介绍——「我们就是AAA等级的合作」。同时，AAA也是一个「没有国籍」的名字，你可以说它是英文、是韩文、是任何语言，就像这张专辑本身。 至於〈Antenna〉的MV，除了许光汉与竇靖童的卡司让人惊喜之外，导演rafhoo也因為这支作品拿下了第36届金曲奖最佳MV奖。MV用科幻的视觉语言，讲述两个人在不同的空间裡试图「接收」彼此的讯号——那种「明明很靠近、却又很遥远」的感受，正好是这个时代人与人之间关系的写照。 05 横越五万五千公里：AAA巡演与现场专辑 专辑发行之后，两团并没有让《AAA》停留在录音室层面，而是把它搬上了舞台——这就是后来的「AAA巡迴」。 这场巡演的足跡横跨多个城市，总里程数据说高达五万五千公里。对於听眾来说，现场版的《AAA》比录音室版更有力量：十个人同台，乐器一件一件叠上去，声音的织体变得无比丰富——落日飞车的萨克斯、HYUKOH的电吉他、双主唱的对话、全员合唱的副歌，那种「一群人在一起」的温度，是耳机很难完全传递的。 2025年5月6日，他们进一步发行了《AAA (LIVE)》现场专辑，数位收录了巡演的精选曲目；6月则推出了实体的2CD+Blu-ray版本，完整收录30首演出曲目，以及2024年首尔公演的实况影像。这份「现场档案」不仅是给乐迷的圣诞礼物，更是《AAA》这个计画的完整总结——从2023年加平的写歌营，到2024年专辑发行，再到2025年的巡演落幕，整个故事终於有了一个完整的句点。 2025年8月，他们还登上了韩国Pentaport Rock Festival的舞台，把《AAA》的歌曲带到更大的户外摇滚节现场。而在台湾，HYUKOH也在同年8月登上「潮台北」活动，与台湾乐迷近距离见面——这场跨海峡的音乐友谊，终於也在现场找到了彼此的听眾。 06 亚洲独立音乐的新范式：為什麼《AAA》重要 说到底，《AAA》的意义远远超出「两个乐团合作」这件事本身。 过去我们习惯把亚洲的独立音乐分成一块一块的：台湾的、韩国的、日本的、香港的……每个场景有自己的听眾、自己的脉络、自己的语言。但《AAA》证明了一件事：这些边界，其实是可以被音乐打破的。 落日飞车用英文唱著台北的浪漫，HYUKOH用中英韩三语唱著首尔的青春——但当他们站在一起的时候，没有人会问「这是台湾歌还是韩国歌」，你只会知道「这是一首好听的歌」。那种「亚洲音乐共同体」的想像，过去可能只是一个口号，但在《AAA》裡，它变成了可以听到、可以摸到、可以跟著摇摆的真实声音。 这也是為什麼国国在访谈中说了一句很动人的话：「如果我们只是热爱音乐，就不会有那些奇怪的大牌问题。」意思是，当你把音乐放在第一位的时候，什麼国籍、什麼流量、什麼市场，都会退到后面去。剩下的，就是十个人、几件乐器、和一个共同的晚上。 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